O artista que criou algumas das imagens mais memoráveis do século 20 nunca foi totalmente abraçado pelo mundo da arte. Há apenas uma obra de Maurits Cornelis Escher em todas as galerias e museus da Grã-Bretanha, e foi somente após seu 70º aniversário que a primeira retrospectiva completa aconteceu em sua Holanda natal. Escher era admirado principalmente por matemáticos e cientistas, e só encontrou fama global quando passou a ser considerado um pioneiro da arte psicodélica pela contracultura hippie dos anos 1960. Suas gravuras adornam os álbuns de Mott the Hoople and the Scaffold, e ele foi cortejado sem sucesso por Mick Jagger para a capa de um álbum e por Stanley Kubrick por ajudar a transformar o que se tornou 2001: Uma Odisséia no Espaço em um “filme quadridimensional”.
Mas Escher não pertencia a nenhum movimento. Em uma carta de 1969 a um amigo, ele observou irritado que “os hippies de São Francisco continuam a imprimir meu trabalho ilegalmente ”. (Muitas de suas cartas são reproduzidas no livro de referência padrão, Escher: The Complete Graphic Work, editado por JL Locher, que inclui uma biografia completa e ensaios analíticos de Escher e outros.) Ele havia recebido um catálogo para um California “Free University ”que contém“ três reproduções de minhas gravuras alternadas com fotografias de sedutoras garotas nuas ”. Isso teria parecido desagradável para o bastante formal Escher, que se conteve quando Jagger se dirigiu a ele pelo primeiro nome em uma carta de fã. De acordo com o ensaio do catálogo de Patrick Elliott, “Escher and Britain”, para a nova exposição na Galeria Nacional Escocesa de Arte Moderna, The Amazing World of MC Escher, o artista respondeu ao assistente do músico: “Por favor, diga ao Sr. Jagger que não sou Maurits para ele. ”
Para sua família e amigos de infância, Maurits era carinhosamente conhecido como Mauk. Ele nasceu para George e Sara Escher em 1898 em Leeuwarden. O caçula dos cinco filhos de seu pai, engenheiro civil (dois de um casamento anterior), Mauk era uma criança doente que se interessava por carpintaria e teve aulas de música, mas foi reprovado nos exames finais da escola, exceto matemática. Seu pai anotou afetuosamente em seu diário que o jovem se consolava “desenhando e fazendo um linocuro de girassol”.
Escher estudou por alguns anos na Escola de Arquitetura e Artes Decorativas de Haarlem, mas abandonou a arquitetura para tentar seguir carreira como artista gráfico. Tudo correu bem. No final da década de 1920, durante a qual viajou extensivamente pela Itália e pela Espanha, conheceu e se casou com sua esposa, Jetta, Escher exibia seu trabalho regularmente na Holanda e, em 1934 , ele ganhou seu primeiro prêmio de exposição americana. Mas foi apenas dois anos depois que Escher realmente se tornou Escher. Naquele ano, ele foi ao Palácio de Alhambra em Granada, Espanha, e copiou cuidadosamente alguns de seus ladrilhos geométricos. Seu trabalho gradualmente tornou-se menos observacional e mais formalmente inventivo. Como Escher explicou mais tarde, também ajudou que a arquitetura e a Ndscape de suas sucessivas casas na Suíça, Bélgica e Holanda eram tão enfadonhas: ele “sentiu-se compelido a retirar-se da ilustração mais ou menos direta e realista de meu entorno”, abraçando o que chamou de suas “visões interiores”.
Essas visões alimentaram o que se tornaria as obras mais celebradas de Escher. Em 1948, faz Drawing Hands, a imagem de duas mãos, cada uma desenhando a outra com um lápis. É uma bela representação de uma das fascinações duradouras de Escher: o contraste entre a planura bidimensional de uma folha de papel e a ilusão de volume tridimensional que pode ser criado com certas marcas. Em Drawing Hands, o espaço e o plano plano coexistem, cada um nasce do outro e retorna ao outro, a magia negra da ilusão artística manifestada assustadoramente. O que se segue, de um ensaio posterior de Escher, poderia facilmente servir como um brilho sobre esta imagem:
O artista ainda tem a sensação de que mover o lápis sobre o papel é uma espécie de arte mágica. Não é ele quem determina suas formas; parece antes que a estúpida forma plana em que ele penosamente labuta tem sua própria vontade (ou falta de vontade), que é essa forma que decide ou impede o movimento da mão que desenha, como se o artista fosse um médium espiritualista. / p>
O tema ao longo da vida de Escher, de certa forma, foi a artificialidade dramatizada da imagem criada. (O historiador da arte EH Gombrich escreveu que o trabalho de Escher “apresenta tantos comentários interessantes sobre os enigmas da representação”.) De seu quadro de 1945, Balcony, com sua estranha distorção central protuberante, Escher comentou: “Certamente é um pouco absurdo desenhar um algumas linhas e depois reivindicar Isto é uma casa. ”O tema da Varanda, disse ele, foi“ esta situação estranha ”.
As situações só se tornaram mais estranhas.Escher levou metodicamente as técnicas representativas ao seu limite. Algumas imagens anteriores sugerem um interesse particular em perspectiva, por exemplo, a “visão aérea” de sua Torre de Babel (1928) – que em retrospecto parece um ensaio não paradoxal para suas aventuras posteriores na arquitetura impossível – ou uma floresta de colunas em uma colunata para Nocturnal Rome (1934). Uma imagem posterior, Depth (1955), é uma investigação inteiramente fictícia sobre as possibilidades formais de perspectiva: uma série do que parecem monstruosos aviões-peixes robóticos, recuando implicitamente para o espaço infinito. (Em uma carta, Escher explicou as características cuidadosamente pensadas que contribuem para o efeito de profundidade, incluindo “Posicionamento rítmico de cada peixe nas interseções de um sistema cúbico de três pontos de rotação”. Bem, naturalmente.)
No final dos anos 1930, Escher também ficou obcecado pela “divisão regular do plano”, em que as formas (de dez peixes, lagartos ou pássaros) são dispostos em uma superfície plana de tal forma que os espaços entre eles criam outras formas reconhecíveis. (Esta técnica foi inspirada diretamente na Alhambra.) Day and Night (1938) apresenta formas de pássaros em preto e branco dispostas desta forma sobre um campo de xadrez. Em muitas dessas imagens, a distinção entre primeiro e segundo plano é obliterada: o visualizador pode escolher ver um ou outro conjunto de formas como primeiro plano à vontade.
Mas se o trabalho de Escher não tivesse sido nada mais do que um pedante comentário metaartístico sobre a plasticidade das técnicas, já teria sido esquecido. Ele deu uma palestra reveladora em 1953 que distinguia entre “pessoas que sentem” – artistas que se concentram na forma humana – e “pessoas que pensam”, artistas como ele que são “entusiastas da realidade”, interessados “na linguagem da matéria, do espaço e da universo”. As melhores fotos de Escher não são simplesmente exercícios geométricos; eles combinam o espanto formal com uma visão vívida e idiossincrática.
Take House of Stairs (1951), com seu interior de pesadelo (inspirado nas escadas da própria escola de Escher) e suas centopéias articuladas de rosto pseudo-humano rastejando através de seus fantasmagoria arquitetônica. (Escher inventou essas criaturas, explicou ele ironicamente, “como resultado da insatisfação com a falta da natureza de quaisquer criaturas vivas em forma de roda dotadas de poder de propulsão por meio de enrolamento”.) Ou Belvedere (1958), com seu impossível escada e uma coleção daqueles bufões, patifes e contempladores que viriam para povoar os lugares inventados mais extraordinários de Escher. (A mulher de vestido longo em Belvedere foi copiado diretamente de The Garden of Earthly Delights, de Hieronymus Bosch.)
Mais deslumbrante, talvez, seja o célebre Ascendente e Descendente (1960), com suas duas fileiras de figuras humanas marchando para cima e eternamente para baixo, respectivamente, em um impossível quatro lados Escadaria eterna É a imagem mais reconhecível dos “objetos impossíveis” de Escher, inspirada no matemático britânico Roger Penrose e em seu pai, o geneticista Lionel Penrose. Fascinado por House of Stairs, os Penroses publicaram um artigo em 1956 no British Journal of Psychology intitulado “Objetos impossíveis: um tipo especial de ilusão visual”. Recebendo uma separata alguns anos depois, Escher escreveu a Lionel expressando sua admiração pela ” voos contínuos de etapas ”no artigo, e incluindo uma impressão de Ascendente e Descendente. (O artigo também incluiu o “tri-bar” ou triângulo de Penrose, que é construído impossivelmente a partir de três ângulos de 90 graus: em 1961, Escher construiu sua cachoeira sem fim usando três deles.)
A matemática trapaça na escada ascendente e descendente não é o tema da imagem. Escher nunca foi um surrealista. Mas, nesta foto, fica claro que ele era uma espécie de existencialista. Há muito admirava Dostoievski e Camus, e em uma carta a um amigo enquanto trabalhava em Subida e Descida, ele explicou: “Essa escada é um assunto bastante triste e pessimista, além de ser muito profundo e absurdo. Com perguntas semelhantes em seus lábios, nosso próprio Albert Camus acaba de bater em uma árvore no carro de seu amigo e se matar. Uma morte absurda, que me afetou bastante. Sim, sim, subimos cada vez mais, imaginamos que estamos subindo; cada passo tem cerca de 25 centímetros de altura, terrivelmente cansativo – e aonde isso tudo nos leva? Em lugar nenhum. ”
Esta paisagem de sonho de futilidade é aperfeiçoada pelas duas figuras que não estão na escada eterna. Um olha para seus companheiros condenados de um terraço lateral; um se senta taciturno na escada inferior.“Dois indivíduos recalcitrantes se recusam, por enquanto, a tomar parte neste exercício”, comentou Escher. “Eles não têm nenhuma utilidade para isso, mas sem dúvida mais cedo ou mais tarde serão levados a ver o erro de sua inconformidade. ” A arte de Escher no seu melhor, então, não é apenas surpreendente, mas também legível, colocando-o na companhia de grandes gravadores alegóricos como Albrecht Dürer.
Desde a morte de Escher em 1972, suas imagens mais famosas se tornaram onipresentes. Um novo combustível para seu culto popular foi fornecido pela fantasia interdisciplinar de um livro de Douglas Hofstadter, Gödel, Escher, Bach (1979), que seduziu gerações de estudantes curiosos nas décadas seguintes. (Escher adorava Bach.) Apropriadamente, dada a ludicidade matemática do artista, algumas das mais valiosas homenagens ao seu trabalho nos tempos modernos vieram do mundo dos videogames. No belo Echochrome (2008), os jogadores se propuseram a libertar um ser humano que caminha eternamente de uma sucessão de paisagens de Escherian, girando o ponto de vista até que o “truque” da perspectiva se encaixe no lugar.
Em um 1963 palestra sobre “o impossível”, Escher declarou: “Se você quiser expressar algo impossível, você deve manter certas regras. O elemento de mistério para o qual você deseja chamar a atenção deve ser cercado e velado por uma banalidade bastante óbvia e facilmente reconhecível . ” Isso é indiscutivelmente tão verdadeiro para a ficção ou a música quanto para o tipo de feitiçaria geométrica de Escher. E também, de certa forma, resume a genialidade do próprio Escher, um homem ordeiro que fez coisas inesgotáveis e extraordinárias.
• The Amazing World of MC Escher está na Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo, de 27 de junho a 27 de setembro. Nationalgalleries.org.
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