Money
Há o barulho de uma caixa registradora . Um tilintar de moedas. Um rasgo de até recibos. Uma linha de baixo acelerada, construída em apenas oito notas. E, finalmente, a manobra inicial de David Gilmour (‘Dinheiro! Vá embora …’). Assim começa Money: a primeira música internacional do Pink Floyd, seu ingresso para a liga do estádio e o sucesso mais improvável dos anos 70 (ou até Another Brick In The Wall Parte 2).
Ninguém poderia ter previsto aqueles aplausos iminentes quando Waters chegou a Abbey Road em junho de 1972 com os ossos da música: uma composição estranha de 7 × 4 que testou Nick Mason (“Foi incrivelmente difícil tocar junto com”) e convidados saxofonista tenor Dick Parry.
“É o riff de Roger”, observou Gilmour. “Roger veio com os versos e letras de Money mais ou menos completos. Fizemos seções intermediárias, solos de guitarra e tudo mais. Também inventamos alguns riffs novos – criamos uma progressão de 4 × 4 para o solo de guitarra e fizemos o O pobre saxofonista toca em 7⁄4. ”
” Ocasionalmente “, refletiu Waters na Rolling Stone,” eu fazia coisas e Dave dizia: Não, isso é errado. Deveria haver outra batida. Essa é apenas sete . Eu diria: Bem, é assim . Várias das minhas músicas têm compassos de comprimento estranho. Quando você toca Money em um violão, é muito mais uma coisa do blues. ”
Para a tomada de estúdio, Waters regravava os efeitos sonoros que ele havia criado originalmente em seu galpão de jardim jogando moedas em uma tigela usada por sua esposa para misturar argila. No entanto, o momento mais deslumbrante da música veio de Gilmour. Embora o guitarrista se auto-depreciativamente se referia a Money como “bons alunos brancos de arquitetura ingleses ficando funky”, havia uma alma ardente em seu solo, que era adrenalina ses a música na marca de três minutos, em seguida, deixa cair seus efeitos para a seção seca em 3:48.
Enquanto a gestão do Floyd rapidamente identificou Money como um potencial “hit monstro ”, Os próprios membros da banda eram ambivalentes, achando que a fórmula de compasso complicada o impediria, e também invejosos da recusa do Led Zeppelin em lançar singles ou agradar ao rádio. “Não pensávamos que algo fosse acontecer com o Money”, observou Rick Wright. “E de repente, simplesmente aconteceu.”
E como. Lançado em 7 de maio de 1973 – dois meses após o álbum pai The Dark Side Of The Moon ter chegado ao topo das paradas da Billboard – Money subiu para o 13º lugar dos Estados Unidos, anunciando o Floyd como peso pesado do rock e tornando a letra de Waters um pouco vazia. Com Money em seu armário, a banda começou a arengar em shows por todo o planeta. “Foi um grande choque”, disse Gilmour ao In The Studio, “ser confrontado com pessoas na frente gritando para jogarmos Money – quando antes nosso público ligeiramente mais reverente estava sentado em silêncio absoluto esperando ouvir o próximo pino sendo caiu. ”
The Great Gig in the Sky
Fechando o primeiro lado do álbum Dark Side Of The Moon após a sobrecarga sensorial de On The Run e Time, The Great Gig In O céu é uma queda inquietante que pondera sobre a mortalidade. É a contribuição insuperável de Rick Wright para o Pink Floyd, já que seus acordes de piano simplesmente embelezados se elevam acima de um trecho da Oração do Senhor e dos pensamentos do filósofo inglês Malcolm Muggeridge sobre a morte “Não tenho medo de morrer, qualquer momento basta, não me importo” – antes da sessão, a cantora Clare Torry oblitera temporariamente a calma com um uivo sem palavras primitivo que parece protestar contra a morte antes de se curvar ao inevitável no que Gilmour descreve como “aquele som orgástico que conhecemos e amamos”.
A música era entre as últimas a serem concluídas à medida que o álbum tomava forma. O engenheiro Alan Parsons recomendou Torry, que admite que não sabia muito sobre o Pink Floyd antes de chegar à sessão de Abbey Road. De acordo com Wright, “Nós sabíamos o que queríamos. Não exatamente musicalmente, mas sabíamos que queríamos alguém para improvisar sobre esta peça. Dissemos: Pense na morte, pense no horror, seja o que for.”
Torry relembra que a banda parecia não saber o que queria, mas depois da primeira tomada eles sabiam o que não queriam. “Eles disseram, Não, não. Não queremos nenhuma palavra ’. Isso realmente me deixou perplexo. Eu pensei, ‘eu tenho que fingir ser um instrumento’. Isso me deu uma avenida para explorar. ” Wright lembrou: “Ela entrou no estúdio e fez isso muito rápido. Então ela voltou parecendo envergonhada, dizendo: Eu realmente sinto muito, enquanto o resto de nós estávamos dizendo: Isso é realmente ótimo.”
Em 2004, Torry deu início a um processo judicial contra o Pink Floyd, reivindicando a coautoria da música. O caso foi resolvido fora do tribunal, detalhes desconhecidos, mas ela agora recebe o crédito ao lado de Wright no álbum.
Nós e eles
Claramente, uma música frequentemente ouvida pelo Radiohead, ela faz aquela coisa enganosa de começar a soar como nada.Mas, à medida que começa a tomar forma, de repente começa a exibir sua vasta gama de cores.
Solos de sax, adoráveis e prolongados preenchimentos de piano, grandes refrões, pequenas adições malucas. Na verdade, é bastante sedutor, o que não é uma palavra que você normalmente associaria ao Floyd.
“Rick escreveu a sequência de acordes para Us And Them e eu a usei como um veículo”, diz Waters. “O primeiro verso é sobre ir para a guerra, como na linha de frente não temos muita chance de nos comunicarmos, porque outra pessoa decidiu que não deveríamos. O segundo verso é sobre liberdades civis, racismo e cor preconceito. O último verso é sobre passar por um vagabundo na rua e não ajudar. “
Dick Parry, um velho amigo da banda de Cambridge, fez um overdub de um solo de sax na música e um quarteto de mulheres os vocalistas da sessão – Doris Troy, Lesley Duncan, Liza Strike e Barry St John – foram trazidos para embelezar Us And Them, Brain Damage e Eclipse.
“Eles não eram muito amigáveis”, disse Duncan olhando para trás. “Eles eram frios, bastante clínicos. Eles não emanavam nenhum tipo de calor … Eles apenas disseram o que queriam e nós fizemos … Não houve sorrisos. Ficamos todos bastante aliviados em sair.”
Cães
Hoje em dia, a imagem da capa de um porco à deriva na Usina Elétrica de Battersea é mais conhecida do que a música de Animals. Como o famoso mascote da banda, o décimo álbum de estúdio do Pink Floyd é uma fera curiosa.
Parte do problema é que Animals veio depois de Wish You Were Here e antes de The Wall. Por mais brilhante que seja, nada tem o apelo comum da faixa-título de Wish You Were Here ou Shine On. Infelizmente, depois que o Floyd lançou The Wall e começou a ter singles de sucesso, o Animals acabou.
“Foi quando Roger realmente começou a acreditar que era o único escritor da banda”, reclamou Rick Wright em 1994. Dogs é a única música do Animals composta por Waters e Gilmour, e é a união perfeita das letras venenosas da primeira e do senso melódico inato da última.
Os cães começaram como Gotta Be Crazy e eram tocados ao vivo na turnê do Floyd pelo Reino Unido em 1974, embora Gilmour reclamasse de que Waters tinha originalmente escrito letras demais para ele cantá-la corretamente. A canção era destinada para Wish You Were Here até que Waters decidiu que não se encaixava no conceito. Gotta Be Crazy foi revivido quando Floyd começou a gravar Animals na primavera de 1976. Waters sugeriu uma mudança de nome para Dogs para melhor se adequar ao tema do novo álbum: falando de maneira geral, um comentário sobre a sociedade, onde os animais – porcos tirânicos, cães autocráticos, ovelhas estúpidas – são metáforas pelas diferentes características de a raça humana.
Animals foi encerrado por duas canções acústicas de amor: Pigs On The Wing Parts 1 e 2, inspiradas na futura segunda esposa de Waters, Carolyne Christie. O contraste entre a abertura romântica de abertura e a próxima música, Dogs, é chocante. Cachorros chegam em uma onda de violão que soa sinistro e um órgão Farfisa taciturno.
Tão impressionante é a disparidade entre os vocais docemente precisos de Gilmour e as letras injuriosas de Waters, em que ele critica um empresário rico e predatório com sua gravata de clube e aperto de mão firme, que termina apenas mais um velho triste homem, sozinho e morrendo de câncer . O que torna esta letra ainda mais sombria é a maneira como Gilmour adiciona um floreio vocal – “ow-ow” – à palavra “câncer”. É horrível e maravilhoso ao mesmo tempo.
Waters canta o vocal principal na segunda metade da música, explicando como a árdua ética de trabalho de seu personagem e a constante reverência a seus superiores o tornaram emocionalmente entorpecido e um estranho para a família dele. Dogs é tão opressor, quase comicamente severo que, se uma geração de banqueiros corporativos e comerciantes da cidade fosse forçada a ouvi-lo, o colapso financeiro global de 2007 poderia ter sido evitado. Enquanto isso, as guitarras e sintetizadores de Gilmour e Wright e a bateria esparsa de Mason aumentaram ainda mais a tensão.
Depois que Waters deixou a banda em 1985, a versão liderada por Gilmour do Pink Floyd nunca tocou Dogs ao vivo. Waters, no entanto, continuou a realizá-lo em seus shows solo. Em um mundo ainda dividido pela ganância e pelo medo, Cães parece mais oportuno do que nunca.
Ei, você
Embora tendo muito mais como uma marca de David Gilmour nela do que outras, não menos no solo crescente, é a entrada vocal de Waters no meio de oito depois que centraliza a música e então pula a oitava para adicionar a mordida. A dinâmica essencial de Gilmour / Waters em poucas palavras.
“É sobre o fim do meu primeiro casamento, toda aquela miséria e dor e estar na estrada quando a mulher declara ao telefone que ela se apaixonou por outra pessoa ”, Roger Waters disse a Mojo. “É um desastre completo, especialmente se você for alguém como eu. Eu era um destroço nos mares túrgidos do poder feminino. Desesperado, realmente, eu não podia fazer nada a não ser ficar fetal e chorar.”
A letra reflete a dor de Waters”, seu desespero cada vez mais aparente a cada verso, enfatizando seu distanciamento crescente de sua esposa e a parede emocional se construindo entre eles: “Você pode me sentir?” “Você me tocaria?” “Pode me ajudar?”
Quando a banda fez a turnê do álbum, foi a primeira música tocada atrás da parede do palco depois que foi totalmente construído, mas não fez o filme seguinte, pois Waters sentiu que a letra não combinava a narrativa atualizada.
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Time
Os efeitos que adornam o Time são um excelente exemplo de como os métodos de trabalho do Pink Floyd no estúdio podem transformar uma música. Sem eles, o tempo poderia ter sido uma saída de Obscured By Clouds.
O tique-taque dos relógios que gradualmente aumentam de intensidade antes de explodir em uma cacofonia de alarmes é apenas o começo. Quão fortuito o engenheiro Alan Parsons – a caminho de seu próprio projeto de um estágio de aprendizado com os Beatles – deveria ter sido despachado um mês antes para fazer uma série de gravações de campo para um álbum de efeitos sonoros que a EMI estava planejando. Isso incluiu a gravação dos relógios mencionados acima em uma loja de relógios antigos.
E aquela nota sonora e profunda de guitarra que se segue – quanto tempo demorou até que Gilmour e a banda ficassem satisfeitos por terem exatamente o som certo? Quão profundo? Quão sonoro? E então os tom toms que trazem uma borda sincopada ao ritmo; aquele não é Mason se debatendo em sua bateria. Ele encontrou um conjunto de rototoms – tambores com moldura de metal sem concha que são afinados por rotação – espalhados pelo estúdio.
Tudo isso acontece antes que uma palavra seja cantada. Tente começar a música sem eles, entretanto, e perderá muito do seu impacto. A melodia é uma construção bem padrão do Floyd, levantada por letras ocasionais de gênio, como “Ficar em silêncio desesperado é o jeito inglês”.
Ecos
Com a partida do esgotado Syd Barrett (em todos os sentidos), os sobreviventes do Floyd foram dominados por uma crise de identidade e, embora Atom Heart Mother de 1970 tenha alcançado o reconfortante UK # 1, a escalação viria depois descartar este quinto álbum como “um monte de lixo”.
David Gilmour subsequentemente descreveria Echoes como “o ponto em que encontramos nosso foco”, mas essa faixa de restauração do mojo não foi fácil. Em janeiro de 1971, tendo assinado um novo contrato com a EMI que lhes concedeu tempo de estúdio ilimitado, a banda mudou-se de Abbey Road, para AIR, para Morgan, o tempo todo acumulando uma chamada “biblioteca de lixo” de rabiscos sonoros e meio formados ideias de músicas com títulos de trabalho pouco auspiciosos (Nothing One, Nothing Two, The Son Of Nothing etc.).
No início de 1971, o Pink Floyd apenas quebrou suas residências de estúdio para tocar ao vivo. Em abril daquele ano, a banda fez uma crítica descoberta, estreando uma peça então conhecida como The Return Of The Son Of Nothing viver em Norwich, retirando estrutura da loucura e retornando com os ossos de Echoes. “Quando eles voltaram”, disse o engenheiro John Leckie ao biógrafo do Floyd, Mark Blake, ” eles o colocaram em forma porque o tocaram ao vivo. Foi concebido como uma grande coisa, pedaços em várias seções, então foi gravado dessa forma. ”
Creditado a todos os quatro membros, este trabalho extenso representou Floyd em sua forma mais colaborativa, e a tecnologia de 16 faixas do AIR funcionando em plena Eu estico. Rick Wright alcançou o misterioso “ping” do U-boat passando um piano de cauda por um alto-falante rotativo Leslie. Waters forneceu algumas de suas letras mais evocativas (Overhead, o albatroz paira imóvel no ar).
Leckie lembra de Nick Mason surgindo “com muitas das ideias mais loucas”, enquanto o trabalho de Gilmour na guitarra era tipicamente deslumbrante, mudando das notas suspensas da introdução para os gritos da seção intermediária. “O som da gaivota que você ouve em Echoes é o Cry Baby”, disse o engenheiro à Guitar World. “Hendrix morreu no meio da gravação, o que eu acho que os afetou um pouco.”
Mason mais tarde reclamaria que Echoes “soa um pouco longo demais”. Verdade, este foi certamente um trabalho colossal, ocupando todo o segundo lado do Meddle de 1971. Mas cada medida dessa obra de 23 minutos era ouro maciço. Expansivo, sobrenatural e repleto de atmosfera, representou a mudança de marcha desde a era Barrett e deu à banda a confiança criativa que os levaria para a liga do estádio
Wish You Were Here
Retroceda até janeiro de 1975, e Abbey Road zumbia com más vibrações enquanto o Pink Floyd embarcava nas sessões de seu nono álbum.Com David Gilmour admitindo à NME que The Dark Side Of The Moon de 1973 os havia deixado “criativamente presos”, Roger Waters explicando o conceito de Wish You Were Here como trabalhando “com pessoas que você sabe que não estão mais lá”, e Nick Mason brincando na Capital Radio que “Eu realmente queria não estar lá”, este último álbum foi a indicação para o grande desastre do Floyd.
E, no entanto, mesmo em um álbum que Gilmour se lembra “começou dolorosamente ”, A faixa-título trouxe um momento de fácil serendipidade e feliz sinergia entre os membros. “Eu comprei uma guitarra de 12 cordas”, Gilmour relembrou em uma entrevista em vídeo para promover a reedição de Immersion de Wish You Were Here. “Eu estava dedilhando na sala de controle do Studio Three em Abbey Road, e isso começou a sair . Roger ficou com as orelhas em pé e perguntou: “O que é isso?”. Eu tinha o péssimo hábito de tocar trechos de músicas boas de outras pessoas. E acho que Roger ficou um pouco nervoso perguntando, caso viesse de outra pessoa, de outra pessoa. ”
Enquanto Gilmour se tornava” levemente obcecado “ao desenvolver a parte da guitarra, a ideia da banda foi abrir Wish You Were Here com o efeito de um ouvinte percorrendo as estações de rádio, pousando na Quarta Sinfonia de Tchaikovsky, antes de finalmente se decidir por um riff de 12 cordas que soa distante, que logo é acompanhado por uma passagem acústica mais quente.
“A ideia”, explicou Gilmour, “era como uma guitarra tocando no rádio e alguém em seu quarto em casa, em seu quarto ou algo assim, ouvindo e juntando-se a ela. Então, a outra guitarra deveria ser uma criança em casa juntando-se ao violão que está ouvindo no rádio.
“E portanto”, acrescentou Gilmour, “não era para ser muito bom – e não era. Todas as vezes Eu ouço a gravação original real, e penso, Deus, eu realmente deveria ter feito isso um pouco melhor. ”
Enquanto uma participação especial do francês h o violinista de jazz Stéphane Grappelli foi amplamente editado (alguns afirmam que é apenas audível no final), mais significativa foi a letra melancólica de Roger Waters, com um dístico marcante – Somos apenas duas almas perdidas nadando em um aquário, ano após ano – isso pode ser lido como um aceno ao casamento do baixista em desmoronamento, mas foi principalmente uma saudação ao falecido Syd Barrett.
“Embora Shine On You Crazy Diamond seja especificamente sobre Sy d e Wish You Were Here tem uma missão mais ampla ”, observou Gilmour em um documentário,“ Não consigo cantar sem pensar em Sy d. ”
De fato, quando a formação clássica do Pink Floyd se reuniu em Londres no Live 8 em 2005 , Waters e Gilmour garantiram que o público do Hyde Park não tivesse dúvidas sobre o assunto Wish You Were Here enquanto tocavam a música em violões. “Estamos fazendo isso por todos que não estão aqui”, anunciou o baixista, incisivamente. “E, principalmente, é claro, por Sy d.”
Shine On You Crazy Diamond (Partes I-IX)
Uma pedra angular do repertório da banda, David Gilmour chamou Shine On You Crazy Diamond de “a música mais pura do Floyd”, a soma de seu desenvolvimento em meados dos anos 70. A coisa toda se desenrola ao longo de cerca de 26 minutos, marcada pela figura distintiva da guitarra de quatro notas de Gilmour e passando por uma série de transformações inspiradas que envolvem lap steel, riffs distorcidos, sax tenor e sintetizadores com várias faixas.
Roger Waters concebeu a letra como uma terna homenagem a Syd Barrett, então no meio de uma queda para a doença mental. Como a própria música, é uma construção maleável, sentimentos agridoces de arrependimento amarrados na memória: Lembre-se de quando você era jovem / Você brilhou como o sol / brilhou em seu diamante louco / agora há uma expressão em seus olhos / como buracos negros no céu.
A gravação do A música também coincidiu com um dos incidentes mais famosos da mitologia do Floy d, quando o próprio Barrett – careca, obeso e com sobrancelhas raspadas – vagou pelos estúdios Abbey Road durante a fase de mixagem da faixa. Demorou algum tempo até que a banda o reconhecesse.
“Ele apenas, por alguma razão incrível, escolheu o dia em que estávamos fazendo uma música sobre ele”, lembra Rick Wright. “Muito estranho.”
Confortavelmente entorpecido
Roger Waters estava em agonia. Era 29 de junho de 1977 e nos bastidores do Philadelphia Spectrum ele estava sofrendo de cólicas estomacais tão devastadoras que teve que escolher entre cancelar o show daquela noite ou receber uma injeção de tranquilizante que “teria matado a porra de um elefante”. Waters fez o show , apesar do relaxante muscular torná-lo incapaz de sentir as mãos ou levantar os braços. E dessa sensação anestesiada veio a semente para a faixa principal de The Wall de 1979.
The Wall era enfaticamente o álbum de Waters – com problemático o protagonista Pink um procurador para si mesmo – e ele ficou naturalmente relutante quando David Gilmour lançou uma sequência de acordes que sobrou de seu primeiro álbum solo.Waters aceitaria a contribuição de Gilmour sob coação e recuperaria um certo grau de propriedade fornecendo letras e versos musicais. Mas ainda havia rusões, com Waters e Bob Ezrin favorecendo uma versão com orquestração exuberante de Michael Kamen, enquanto Gilmour preferia uma versão mais enxuta e difícil. “Eu lutei pela introdução da orquestra naquele disco”, diz Ezrin. “Isso se tornou um grande problema em Comfortably Numb, que Dave viu como uma faixa mais simples. Roger ficou do meu lado. ”
” Discutimos como loucos sobre Comfortably Numb “, disse Gilmour à revista Rock Compact Disc.” Realmente tivemos uma grande briga, durou anos. ”
Ambos os lados discutiram um acordo, com Comfortably Numb finalmente apresentando um pouco das visões de ambos os homens. “No álbum”, disse Waters à Absolute Radio, “o primeiro verso é da versão que gostei e o segundo verso é da versão que gostei. Foi uma negociação e um compromisso. ”
Felizmente, não houve tal debate sobre os dois famosos solos de guitarra de Gilmour, cujos licks deslumbrantes foram executados do alto da parede durante a turnê. “Eu bati cinco ou seis solos”, disse ele à Rolling Stone. “A partir daí, eu apenas segui meu procedimento usual, que é ouvir cada solo e fazer um gráfico, observando quais partes são boas. Então, seguindo o gráfico, eu crio um grande solo composto aumentando um fader, depois outro fader, pulando de frase em frase até que tudo flua junto. ”
Para Pink Floyd como os conhecíamos, a música foi o prego terminal no caixão (“Acho que coisas como Comfortably Numb, foram as últimas brasas minhas e a capacidade de Roger de trabalhar em colaboração”, refletiu Gilmour). No entanto, também construiu pontes, notáveis como a música final tocada pelo reuniu a formação no Live 8 e também tocou por Gilmour no show The Wall de Waters em 12 de maio de 2011.
“Dave queria fazer uma coisa chamada Hoping Foundation”, disse Waters. “Finalmente, ouvi o suficiente e pensei: Vou te dizer uma coisa. Vou fazer algumas noites no O2. Você vem e faz Comfortably Numb em uma dessas noites, e eu farei o maldito Hoping Fundação. E eu pensei que ele simplesmente diria: Foda-se . E ele não disse. Ele disse: Tudo bem . Então nós conseguimos. >