A música clássica tem um papel essencial no repertório de qualquer jogador. Isso não é apenas por uma questão de tradição, a música clássica tem influências em todos os gêneros. Schubert é creditado com a primeira música com estrutura verso-refrão que conhecemos tão bem, e as origens do jazz podem ser rastreadas até Bach (trocadilho intencional). Tocar música clássica não só aumentará seu conhecimento sobre estilos diferentes, como também melhorará drasticamente sua execução.
Observação:
Para simplificar, usamos “Clássico” ao nos referirmos a música das eras barroca, clássica ou romântica. Isso seria uma blasfêmia para qualquer acadêmico de música, mas é um atalho fácil para você começar.
Aqui está uma seleção de 14 peças do Da era barroca ao período romântico. Se você voltar a tocar depois de aprender quando criança, muitos deles serão familiares para você. Isso não abrange todos os compositores, mas lhe dará um ótimo repertório inicial. Como sempre, todos desta música está disponível para aprender no aplicativo flowkey.
Canon in D – Johann Pachelbel
Um cânone é uma peça em que uma melodia é imitada e em camadas com vozes de contraponto. é tecnicamente um “cânone acompanhado”, pois inclui outras melodias que criam uma textura rica, mesmo quando tocadas solo no piano.
Pachelbels Cano n era popular durante sua vida no final dos anos 1600, mas perdeu popularidade até ser redescoberto na década de 1960. A distinta progressão de oito compassos foi assumida de muitas formas por artistas de rock e pop, enquanto a forma original da peça tornou-se um pilar em casamentos.
(Consulte nosso artigo sobre Músicas de Casamento para ler sobre como nosso talentoso parceiros combinaram a Canon in D com canções clássicas para fazer algo realmente especial).
Prelúdio No.1 in C – Johann Sebastian Bach
É essencial ser capaz de tocar um o pequeno Bach, não apenas por seu domínio técnico, mas por sua capacidade de inspirar novos jogadores até agora. “Prelúdio No. 1 em C” é a primeira obra de sua coleção “O Cravo Bem Temperado”, escrita por Bach “para o lucro e uso da juventude musical desejosa de aprender.”
Esperançosamente, você está “desejoso de aprender”, então tocar isso ajudará você a desenvolver um ritmo mais natural, melhorar seu dedilhado e tornar seu tempo melhor. Mas é muito mais do que apenas um exercício. O fluxo desta peça, composta por acordes quebrados ascendentes, é hipnoticamente belo.
Sonata em dó maior – Wolfgang Amadeus Mozart
Mozart era uma criança prodígio e passou a ser indiscutivelmente um dos compositores clássicos mais respeitados de todos os tempos. Viver rápido significou que ele morreu jovem aos 35 anos, e muitas peças como esta não foram publicadas até décadas após sua morte.
O próprio Mozart descreveu a peça como “para iniciantes”, então não é de admirar que foi incluído nas aulas de piano para iniciantes durante séculos. A combinação de acordes quebrados para a mão esquerda com a melodia para a mão direita ajudará a desenvolver sua coordenação.
Eine Kleine Nachtmusik – Serenata nº 13 – Wolfgang Amadeus Mozart
Não podemos limitar isso a apenas um de Mozart, então aqui está um que ele escreveu para um quarteto de cordas, com arranjos maravilhosos para piano. O título costuma ser traduzido literalmente como “A Little Night Music”, mas deveria seja “A Little Serenade”. O tema vibrante e alegre é instantaneamente reconhecível e essencialmente Mozart.
Sonata ao luar – Ludwig van Beethoven
Beethoven também é amplamente considerado como tal dos maiores compositores de todos os tempos, um feito incrível, considerando que ele escreveu muito de seu trabalho enquanto parcialmente (ou totalmente) surdo.
Moonlight Sonata é silencioso e delicado, com uma sensação de sonho, originalmente intitulado “Quase uma fantasia”. É também o foco de algum debate entre pianistas modernos sobre como tocá-lo com os pedais. Seguir as instruções de Beethoven com um pedal de sustain moderno pode criar dissonância quando os acordes mudam. Portanto, a menos que você tenha um piano de duzentos anos, tome cuidado. Ou tente pedalar pela metade.
Für Elise – Ludwig van Beethoven
Beethoven também merece duas entradas. A sua obra mudou consideravelmente ao longo da sua vida, abrangendo os períodos Clássico e Romântico, e sempre foi inovadora.
Für Elise é uma “Bagatelle”, que significa “uma pequena composição instrumental despretensiosa”. Suave, com arpejos fluidos que ligam as mãos esquerda e direita, se encaixa perfeitamente nessa descrição. Como a “Sonata em C” de Mozart, a peça não foi publicada durante a vida de Beethoven, apenas descoberta 40 anos depois. A identidade do titular “Elise” é desconhecida, junto com se ela já ouviu a obra-prima que ele escreveu para ela.
Prelúdio em Em – Frédéric Chopin
Chopin era um mestre em comunicar emoções em sua música, e esta peça representa o verdadeiro desespero.A última marca dinâmica da peça é “smorzando”, que significa “morrer”, e Chopin solicitou que a peça fosse tocada em seu próprio funeral. Isso pode parecer mórbido, mas não deixe que isso o desanime desta bela e elegante peça.
Liebestraum No. 3 – Franz Liszt
O título “Liebestraum” significa “Sonho de amor”, e é exatamente isso que Liszt evoca aqui. Fluída, mágica e onírica, ela se originou de um poema de Ferdinand Freiligrath, musicado por Liszt. Entre as referências à perda, incluía os versos “Certifique-se de que seu coração arde, e mantenha e mantenha o amor. Enquanto outro coração bater calorosamente com seu amor por você.”
Brahms Lullaby – Johannes Brahms
Você pode saber disso como a melodia usada para ajudar bebês em todos os lugares a dormir. Você pode não saber que Brahms a dedicou a um amigo de infância no nascimento de seu segundo filho. Ou que Brahms tinha estado em amor com ela, então ele incluiu uma contra-melodia oculta baseada em uma canção que ela costumava cantar para ele quando eles eram jovens …
Lago dos Cisnes – Pyotr Tchaikovsky
Tchaikovsky é provavelmente mais conhecido por sua “opulência sensual” e grandes composições operísticas. Pegue o Lago dos Cisnes, um balé sobre uma princesa dos cisnes passando seus dias como um cisne em um lago de lágrimas, e suas noites como humana. Dito isso, o tema desta obra-prima resiste ao teste do tempo por sua beleza melódica, mesmo de uma forma simplificada para piano solo.
No Salão do Rei da Montanha – Edvard Grieg
Grieg escreveu isso para acompanhar uma cena na peça de Ibsen, Peer Gynt, onde o personagem titular entra em um mundo de sonho. Grieg ironicamente descreveu-o como “algo que cheira tanto a casquinha de vaca, ultra-norueguês e” ser você mesmo o suficiente “”. É divertido, mágico e maravilhoso.
Clair de Lune – Claude Debussy
O nome vem de um poema de Paul Verlaine, não de alguém chamado Clair, e significa “Luz da Lua”. A linha final do poema é “Tocando alaúde e dançando e quase triste sob seus disfarces caprichosos”. Essa combinação de alegria e tristeza se traduz na música de Debussy, uma peça expressiva que começa tranquila e minimalista, depois se transforma em algo majestoso e inspirador.
Gymnopédie nº 1 – Erik Satie
Um melancólico e uma peça graciosa do homem que se referia a si mesmo como um “fonométrico” (“alguém que mede sons”) em vez de um músico. Satie intitulou suas Gymnopédies em homenagem a um tipo de dança grega antiga na qual rapazes (ou mulheres) dançavam nus. Então, isso é algo para pensar enquanto você toca.
Valsa nº 2 – Dmitri Shostakovich
Shostakovich é um excelente lugar para terminar, já que seu estilo híbrido reuniu uma série de influências de todas as eras. “Waltz No. 2” é a mais famosa de suas obras, uma dança que leva a teatralidade soviética e a combina com uma sensação de leveza romântica para criar algo profundo.
