Penge
Der er klumpen til et kasseapparat . Et kryds af mønter. En afrivning af kassekvitteringer. En hakkende bassline, bygget på kun otte toner. Og til sidst David Gilmours åbningsgambit (Penge! Kom væk …). Så begynder Money: Pink Floyds første internationale underskrift melodi, deres billet til stadion ligaen og det mest usandsynlige smash hit i 70erne (eller indtil Another Brick In The Wall del 2).
Ingen kunne have forudsagt de forestående hilsner, da Waters ankom til Abbey Road i juni 1972 med sangens knogler: en akavet 7⁄4 komposition, der testede både Nick Mason (“Det var utroligt svært at spille sammen med”) og gæst tenorsaxofonist Dick Parry.
“Det er Rogers riff,” bemærkede Gilmour. “Roger kom ind med versene og sangteksterne til Money mere eller mindre afsluttet. Vi lavede midtersektioner, guitar solo og alt det der. Vi opfandt også nogle nye riffs – vi skabte en 4⁄4 progression til guitar solo og lavede dårlig saxofonafspiller spiller i 7⁄4. “
” Lejlighedsvis, “reflekterede Waters i Rolling Stone,” Jeg ville gøre ting, og Dave ville sige, “Nej, det er forkert. Der skulle være endnu et slag. Det er kun syv “. Jeg vil sige,” Nå, det er sådan det er. “En række af mine sange har søjler af ulige længde. Når du spiller penge på en akustisk guitar, er det meget blues.”
Til studietagningen ville Waters genoptage lydeffekterne, som han oprindeligt havde skabt i sin havehave ved at kaste mønter i en skål, der blev brugt af sin kone til blanding af ler. Alligevel kom sangens mest blændende øjeblik fra Gilmour. guitaristen ville selvbetinget henvise til penge som “pæne hvide engelske arkitekturstuderende bliver funky”, der var sårende sjæl i hans solo, hvilket adrenalier ses sangen på det tre minutters mærke og derefter slipper dens effekter for tør sektionen kl. 3:48.
Mens Floyds ledelse hurtigt identificerede Money som et potentielt “monsterhit ”, Bandmedlemmerne selv var ambivalente og følte, at den vanskelige tidssignatur ville holde den tilbage, og også misundelig af Led Zeppelins nægtelse af at udstede singler eller pander til radio. “Vi troede ikke, at der ville ske noget med penge,” bemærkede Rick Wright. “Og pludselig gjorde det bare.”
Og hvordan. Udgivet den 7. maj 1973 – to måneder efter, at forældrealbumet The Dark Side Of The Moon havde toppet Billboard-diagrammet – Money klatrede op til US nr. 13, idet de annoncerede Floyd som rock-tungvægte og gjorde Waters rigdom-baiting lyrik ring en smule hul. Med penge i deres skab befandt bandet sig bagefter ved shows over hele planeten. ”Det var et ganske chok,” fortalte Gilmour In The Studio, “at blive konfronteret med folk foran og alle skrigede efter os om at spille penge – da vores lidt mere ærbødige publikum tidligere sad i absolut stilhed og ventede på at høre den næste pin blive faldt. ”
The Great Gig in the Sky
Afslutning af første side af Dark Side Of The Moon-albummet efter den sensoriske overbelastning af On The Run and Time, The Great Gig In Himlen er en foruroligende nedtur, der overvejer dødeligheden. Det er Rick Wrights uovertrufne bidrag til Pink Floyd, da hans simpelthen pyntede klaverakkorder stiger over et stykke af Lords Prayer og den engelske filosof Malcolm Muggeridges tanker om døden “Jeg er ikke bange for at dø, når som helst vil gøre, har jeg ikke noget imod det” – før session udrydder sanger Clare Torry midlertidigt roen med et primalt ordløst hyl, der ser ud til at skinne mod at dø, før han bøjer sig for det uundgåelige i det, Gilmour beskriver som “den orgasmiske lyd, vi kender og elsker”.
Sangen var blandt de sidste, der blev afsluttet, da albummet tog form. Ingeniør Alan Parsons anbefalede Torry, der indrømmer, at hun ikke vidste meget om Pink Floyd, før hun ankom til Abbey Road-sessionen. Ifølge Wright, “Vi vidste, hvad vi ønskede. Ikke ligefrem musikalsk, men vi vidste, at vi ville have nogen til at improvisere over dette stykke. Vi sagde: Tænk på døden, tænk på rædsel, hvad som helst.”
Torry minder om at bandet ikke så ud til at vide, hvad de ville, men efter den første optagelse vidste de, hvad de ikke ønskede. “De sagde: Nej nej. Vi ønsker ikke nogen ord . Det stumpede mig virkelig. Jeg tænkte: Jeg skal foregive at være et instrument. Det gav mig en mulighed for at udforske. ” Wright huskede: “Hun gik ind i studiet og gjorde det rigtig hurtigt. Derefter kom hun ud og så flov ud og sagde: Jeg er virkelig ked af det, mens vi andre gik: Dette er virkelig godt. ”
I 2004 indledte Torry retssager mod Pink Floyd og hævdede medforfatterskab af sangen. Sagen blev afgjort uden for retten, detaljer ukendte, men hun får nu en kredit sammen med Wright på albummet.
Us And Them
Det er klart, at en sang ofte høres af Radiohead, den gør den vildledende ting ved at starte med at lyde som intet meget overhovedet.Men da det begynder at tage form, begynder det pludselig at vise sit store udvalg af farver.
Saxiske soloer, dejlige langvarige klaverudfyldninger, store refræng, skøre små talende tilføjelser. Det føles faktisk ret forførende, hvilket ikke er et ord, du normalt forbinder med Floyd.
“Rick skrev akkordsekvensen for Us And Them, og jeg brugte det som et køretøj,” siger Waters. “Det første vers handler om at gå i krig, hvordan vi i frontlinjen ikke får meget chance for at kommunikere med hinanden, fordi en anden har besluttet, at vi ikke skal. Det andet vers handler om borgerlige frihedsrettigheder, racisme og farve fordomme. Det sidste vers handler om at føre en tramp på gaden og ikke hjælpe. “
Dick Parry, en gammel ven af bandet fra Cambridge, overdubbede en sax-solo på sangen og en kvartet kvindelig session vokalister – Doris Troy, Lesley Duncan, Liza Strike og Barry St John – blev bragt ind for at pynte os og dem, hjerneskade og formørkelse.
“De var ikke særlig venlige,” sagde Duncan og så tilbage. “De var kolde, temmelig kliniske. De udsendte ikke nogen form for varme … De sagde bare, hvad de ønskede, og vi gjorde det … Der var ingen smil. Vi var alle meget lettet over at komme ud.”
Hunde
I disse dage er omslagsbillede af en gris, der driver over Battersea Power Station, bedre kendt end musikken på Animals. Ligesom bandets berømte maskot er Pink Floyds tiende studioalbum et nysgerrig dyr.
En del af problemet er, at Animals kom efter Wish You Were Here og før The Wall. Uanset hvor strålende det er, har intet den allemands appel til Wish You Were Heres titelspor eller Shine On. Desværre, efter at Floyd udgav The Wall og begyndte at ramme singler, var Animals klar for.
“Dyr var, da Roger virkelig begyndte at tro, at han var bandets eneste forfatter,” klagede Rick Wright i 1994. Dogs er den eneste sang på Animals komponeret af Waters og Gilmour, og det er den perfekte forening af førstnævnte giftige tekster og sidstnævntes medfødte sans for melodi.
Dogs begyndte livet som Gotta Be Crazy og blev spillet live på Floyds 1974 UK-turné, selvom Gilmour klagede over, at Waters oprindeligt havde skrevet for mange tekster til, at han kunne synge det ordentligt.) Sangen var beregnet til Wish You Were Here, indtil Waters besluttede, at den ikke passede til konceptet. Gotta Be Crazy blev genoplivet, da Floyd startede indspilningen af Animals i foråret 1976. Waters foreslog en navneændring til Dogs for bedre at passe til temaet for det nye album: generelt set en kommentar til samfundet, hvor dyrene – tyranniske svin, autokratiske hunde, dumme får – er metaforer. for de forskellige egenskaber ved den menneskelige race.
Dyr blev bogsendt af to akustiske kærlighedssange: Pigs On The Wing, del 1 og 2, inspireret af Waters fremtidige anden kone, Carolyne Christie. Kontrasten mellem den indledende romantiske ouverture og den næste sang, Dogs, er chokerende. Hunde ankommer på en bølge af ildevarslende klangende guitar og rugende Farfisa-orgel.
Ligesom arresteringen er forskellen mellem Gilmours sødt præcise vokal og Waters vituperative sangtekster, hvor han rails mod en rig, rovdrivende forretningsmand med hans klubslips og faste håndtryk, der ender Bare en anden trist gammel mand, helt alene og dø af kræft . Hvad der gør denne tekst endnu mere dyster, er den måde, Gilmour tilføjer en vokal blomstring – “ow-ow” – til ordet “cancer”. Det er forfærdeligt og vidunderligt på samme tid.
Waters synger hovedvokalen i sangens anden halvdel og forklarer, hvordan hans karakters slibende arbejdsmoral og konstante kowtowing til sine overordnede har gjort ham følelsesladet følelsesløs og fremmed for hans familie. Hunde er så knusende, næsten komisk dystre, at hvis en generation af forretningsbankfolk og byhandlere blev tvunget til at lytte til det, kunne det globale økonomiske sammenbrud i 2007 have været undgået. I mellemtiden hæver Gilmour og Wrights vævende guitarer og synths og Masons sparsomme trommespænding spændingen yderligere.
Efter at Waters forlod bandet i 1985, spillede den Gilmour-ledede version af Pink Floyd aldrig Dogs live. Waters har dog fortsat med at udføre det i sine soloshows. I en verden, der stadig er revet med grådighed og frygt, lyder hunde mere rettidigt end nogensinde.
Hej dig
Selvom de har meget mere af et David Gilmour-stempel på det end andre, ikke mindst i den skyhøje solo, er det Waters midterste otte vokalindgang efter det, der centrerer sangen og derefter springer oktavet op for at tilføje bidet. Den essentielle Gilmour / Waters-dynamik i en nøddeskal.
“Det handler om opløsningen af mit første ægteskab, al den elendighed og smerte og det at være ude på vejen, når kvinden telefonisk erklærer, at hun er forelsket i en anden, sagde Roger Waters til Mojo. “Det er en fuldstændig katastrofe, især hvis du er en som jeg. Jeg var flotsam på kvindernes magtfulde hav. Håbløs, virkelig kunne jeg ikke gøre andet end at føde og græde.”
Teksterne afspejler Waters smerte, hans desperation bliver mere og mere synlig for hvert vers, og understreger hans voksende afstand fra sin kone og den følelsesmæssige murbygning mellem dem:” Kan du føle mig? ” “Vil du røre ved mig?” “Kan du hjælpe mig?”
Da bandet turnerede på albummet, var det den første sang, der blev udført bag scenevæggen, efter at den var fuldt bygget, men det lavede overhovedet ikke den efterfølgende film, da Waters følte, at lyrikken ikke passede den opdaterede fortælling.
- De bedste in-ear-hovedtelefoner 2020: Løders topvalg med kablede og trådløse øretelefoner
- Pink Floyd: The bedste album
Time
Effekterne, der pryder Time, er et godt eksempel på, hvordan Pink Floyds arbejdsmetoder i studiet kunne transformere en sang. Uden dem var tiden muligvis et udtalt af skyer.
De tikkende ure, der gradvist vokser i intensitet, inden de bryder ud i en kakofoni af alarmer, er kun begyndelsen. Hvor heldig at ingeniør Alan Parsons – på vej til sit eget projekt fra en læreplads, der arbejder sammen med The Beatles – skulle have været sendt en måned tidligere for at lave en række feltoptagelser til et lydeffektalbum, EMI planlagde. Dette omfattede indspilning af de førnævnte ure i en antik urbutik.
Og den dybe klangfulde guitarnote, der følger – hvor lang tid tog det, før Gilmour og bandet var tilfredse med, at de havde nøjagtigt den rette lyd? Hvor dybt? Hvor lydløs? Og så tom toms, der bringer en synkoperet kant til rytmen; det er ikke Mason, der slår væk på sit trommesæt. Han havde fundet et sæt rototoms – metalindrammede trommer uden skal, der er indstillet af rotation – liggende rundt i studiet.
Alt dette sker, før et ord er blevet sunget. Prøv dog at starte sangen uden dem, og den mister meget af dens påvirkning. Melodien er en temmelig bog-standard Floyd-konstruktion løftet af lejlighedsvise geniale tekster som Hanging in in quiet desperation is the English way.
Echoes
Med den svimlende Syd Barrett, der nu gik af (i enhver forstand), blev Floyd-overlevende grebet af en identitetskrise, og selvom 1970ernes Atom Heart Mother havde nået et beroligende UK nr. 1, ville opstillingen senere afvis dette femte album som “en masse affald”.
David Gilmour ville efterfølgende beskrive Echoes som “det punkt, hvor vi fandt vores fokus”, men dette mojo-gendannende spor kom ikke let. I januar 1971, efter at have underskrevet en ny kontrakt med EMI, der gav dem ubegrænset studietid, flyttede bandet fra Abbey Road, til AIR, til Morgan, alt imens det samlede sig et såkaldt “skraldebibliotek” af lydklotter og halvformede sangideer med uhyrlige arbejdstitler (Nothing One, Nothing Two, The Son Of Nothing osv.).
I begyndelsen af 1971 brød Pink Floyd kun deres studieboliger for at spille live. I april gjorde bandet kritisk gennembrud, debuterer et stykke, der var kendt som The Return Of The Son Of Nothing, bor i Norwich, trækker struktur fra galskaben og vender tilbage med Echoes ben. “Da de kom tilbage,” sagde ingeniør John Leckie til Floyd-biografen Mark Blake, ” de havde fået det i form, fordi de havde spillet det live. Det blev opfattet som en stor ting, bits i forskellige sektioner, så det blev optaget på den måde. “
Krediteret til alle fire medlemmer, dette spredte arbejde repræsenterede Floyd på deres mest samarbejdsvillige og AIRs 16-spors teknologi, der kørte fuldt ud Jeg strækker mig. Rick Wright opnåede den uhyggelige U-båd ping ved at køre et flygel gennem en Leslie roterende højttaler. Waters leverede nogle af hans mest stemningsfulde tekster (Overhead albatross hang upless in the air).
Leckie minder om, at Nick Mason kom op “med en masse skørere ideer”, mens Gilmours guitararbejde typisk var blændende, morfende fra de hængende noter af introduktionen til midtsektionens skrig. ”Mågelyden, du hører på Echoes, er Cry Baby,” sagde ingeniøren til Guitar World. “Hendrix døde midt i optagelsen, hvilket jeg tror påvirkede dem en smule.”
Mason ville senere klage over, at Echoes “lyder lidt overlangt”. Sandt nok var dette bestemt et kolossalt værk, der tog hele anden side af 1971s Meddle op. Men hvert mål for dette 23-minutters opus var solidt guld. Ekspansiv, anden verdenskrig og fyldt med atmosfære, det repræsenterede gearskiftet væk fra Barrett-æraen og gav bandet den kreative selvtillid, der ville føre dem ind i stadion ligaen
Wish You Were Here
Spol tilbage til januar 1975, og Abbey Road nynede med dårlige vibes, da Pink Floyd indledte sessioner til deres niende album.Da David Gilmour indrømmede over for NME, at The Dark Side Of The Moon fra 1973 havde efterladt dem “kreativt fanget”, forklarede Roger Waters konceptet Wish You Were Here som at arbejde “med mennesker, som du kender ikke er der mere”, og Nick Mason quipping på Capital Radio, at “Jeg ville virkelig ønske, at jeg ikke var der”, dette seneste album var vejviseren til det store Floyd-fald.
Og alligevel, selv på en plade, som Gilmour husker, “startede det ganske smertefuldt ”, Titelsporet bragte et øjeblik med let serendipity og glad synergi mellem medlemmerne. ”Jeg havde købt en 12-strenget guitar,” mindede Gilmour i et videointerview for at promovere Immersion-genudgivelsen af Wish You Were Here. ”Jeg strummede over den i kontrolrummet i Studio Three på Abbey Road, og det begyndte lige at komme ud . Rogers ører spidsede op, og han sagde: Hvad er det? Jeg havde en frygtelig vane med at spille sange af andre mennesker, der var gode. Og jeg synes, Roger var lidt nervøs og spurgte, hvis det kom fra noget andet, af en anden. ”
Mens Gilmour blev” mildt besat ”, da han udviklede guitarpartiet, skulle bandets hjernebølge åbne Ønsker, at du var her med virkningen af, at en lytter cyklede gennem radiostationer, afstødende på Tchaikovskys fjerde symfoni, inden han endelig slog sig ned på en fjernlydende 12-strenget riff, som kort sammenføjes af en varmere akustisk passage.
“Ideen,” forklarede Gilmour, “var, at det var som en guitar, der spillede i radioen, og nogen i deres værelse derhjemme, i deres soveværelse eller noget, at lytte til det og blive med. Så den anden guitar skulle være et barn derhjemme deltager i den guitar, han lytter til i radioen.
“Og derfor,” tilføjede Gilmour, “det skulle ikke være for glat – og det var det ikke. Hver gang Jeg lytter til den egentlige originaloptagelse, jeg tænker, Gud, jeg skulle virkelig have gjort det lidt bedre. “
Mens en komo af Frenc h jazzviolinist Stéphane Grappelli blev i vid udstrækning redigeret (nogle hævder, at det bare høres i slutningen), mere markant var Roger Waters wistful lyrik med en standout-couplet – Vi er bare to mistede sjæle, der svømmer i en fiskeskål år efter år – der kunne læses som et nik til bassistens unraveling-ægteskab, men var primært en hilsen til den faldne Syd Barrett.
“Selvom Shine On You Crazy Diamond handler specifikt om Syd, og ønsker du var her har en bredere opgave, ”bemærkede Gilmour i en dokumentar,” Jeg kan ikke synge det uden at tænke på Syd. ”
Faktisk, da den klassiske Pink Floyd-line-up genforenes i London på Live 8 i 2005 , Waters og Gilmour sørgede for, at Hyde Park-publikum ikke var i tvivl om Wish You Were Heres emne, da de udførte sangen på akustiske guitarer. ”Vi gør dette for alle, der ikke er her,” annoncerede bassisten spids. ”Og især naturligvis for Syd.”
Shine On You Crazy Diamond (del I – IX)
En hjørnesten i bandets repertoire, David Gilmour har kaldt Shine On You Crazy Diamond “den reneste Floyd-sang”, sammenfatningen af deres udvikling i midten af 70erne. Det hele slapper af i løbet af cirka 26 minutter, præget af Gilmours karakteristiske guitar med fire noter og gennemgår en række inspirerede transformationer, der involverer skødstål, forvrængede riffs, tenorsax og multi-track-synths.
Roger Waters opfattede teksterne som en øm hyldest til Syd Barrett, så midt i en nedstigning til psykisk sygdom. Ligesom selve musikken er det en smidig konstruktion, bittersød følelse af beklagelse bundet i hukommelsen: Husk, da du var ung / dig skinnede som solen / Skinn på din skøre diamant / Nu er der et blik i dine øjne / Som sorte huller på himlen.
Optagelsen af sangen faldt også sammen med en af de mest berømte hændelser i Floyd-mytologien, da Barrett selv – skaldet, overvægtig og med barberede øjenbryn – vandrede ind i Abbey Road-studios under sporets blandingsfase. Det tog et stykke tid, før bandet overhovedet genkendte ham.
“Han valgte bare af en eller anden utrolig grund den dag, hvor vi lavede en sang, der handlede om ham,” mindede Rick Wright. “Meget mærkeligt.”
Behageligt bedøvet
Roger Waters var i smerte. Det var den 29. juni 1977, og bag kulisserne i Philadelphia Spectrum led han af så lammende mavekramper, at han stod over for et valg mellem at annullere aftenens show eller at få et beroligende skud, der “ville have dræbt en skide elefant”. Waters spillede showet , til trods for at muskelafslappende gør ham ude af stand til at føle hænderne eller løfte armene. Og fra den bedøvede fornemmelse kom frøet til nøglesporet på 1979s The Wall. hovedperson Pink en proxy for sig selv – og han var naturligvis tilbageholdende, da David Gilmour slog en akkordsekvens tilbage fra hans første soloalbum.Waters ville acceptere Gilmours bidrag under tvang og tilbageholde en vis grad af ejerskab ved at levere tekster og versmusik. Men stadig var der ructions, hvor Waters og Bob Ezrin favoriserede en version med frodig orkestrering af Michael Kamen, mens Gilmour foretrak en slankere og hårdere take. ”Jeg kæmpede for indførelsen af orkestret på den plade,” siger Ezrin. “Dette blev et stort emne på Comfortably Numb, som Dave så som et mere bare-track-spor. Roger gik på siden med mig. ”
” Vi skændtes om komfortabelt følelsesløse som gale, ”sagde Gilmour til bladet Rock Compact Disc.“ Virkelig havde en stor kamp, fortsatte i evigheder. ”
Begge sider smadrede en løsning, hvor Comfortably Numb i sidste ende indeholdt lidt af begge mænds visioner. ”På pladen,” sagde Waters til Absolute Radio, “det første vers er fra den version, der kan lide, og det andet vers er fra den version, jeg kunne lide. Det var en forhandling og et kompromis. ”
Heldigvis var der ingen sådan debat om Gilmours to berømte guitar-soloer, hvis blændende licks blev udført oven på væggen på turné. ”Jeg slog fem eller seks soloer ud,” fortalte han Rolling Stone. ”Derfra fulgte jeg bare min sædvanlige procedure, som er at lytte tilbage til hver solo og lave et diagram og bemærke, hvilke bits der er gode. Derefter opretter jeg ved at følge diagrammet en fantastisk sammensat solo ved at piske en fader op, derefter en anden fader, hoppe fra sætning til sætning, indtil alt flyder sammen. ”
For Pink Floyd, som vi kendte dem, sangen var den terminale søm i kisten (“Jeg tror ting som Comfortably Numb, var mine sidste gløder og Rogers evne til at arbejde sammen,” reflekterede Gilmour). Alligevel har den også bygget broer, der er bemærkelsesværdige som den sidste sang udført af genforenet line-up på Live 8, og også spillet af Gilmour på Waterss The Wall show den 12. maj 2011.
“Dave ville gøre denne ting kaldet Hoping Foundation,” sagde Waters. “Endelig havde jeg hørt nok, og jeg gik: Jeg siger dig hvad. Jeg skal lave et par nætter i O2. Du kommer og gør Comfortably Numb en af disse nætter, og jeg gør det blodige håb Foundation. Og jeg troede, at han bare ville gå: Fuck off. Og det gjorde han ikke. Han gik: Okay. Så vi gjorde det. “