Gotisk maleri i Frankrike
Tidlig gotisk maleri beveget seg bort fra bysantinsk kunst mot større naturalisme og tok form av en mykere, mer realistisk stil, hvis generelle egenskaper holdt ut til midten av 1200-tallet. I Frankrike er uttrykket spesielt merkbart i en rekke storslåtte bibelske moraliseere – bibelske manuskripter som inneholder utdrag fra Bibelen ledsaget av moralske tolkninger og illustrasjoner arrangert som glassmalerier – fullført for det franske kongedømmet ca 1230-40. I England kan man se stilen i mange manuskripter; for eksempel Amesbury Psalter (ca. 1240; All Souls College, Oxford). I Tyskland unngikk gotiske kunstnere denne elegante stilen, og foretrakk en vridd, kantet stil kalt Zackenstil. For eksempel, i Soest-alteret (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Berlin), er draperiet avbildet i brå vinkelformer og faller ofte til et skarpt punkt som ligner en istapp. Gotiske belyste manuskripter hadde også innflytelse på utviklingen av panelmalerier og veggmalerier i Nord-Europa.
Gotisk bokmaleri
For å sette pris på gotisk bokillustrasjon må man studer de opplyste manuskriptene som strømmet ut fra skriptoriene til de forskjellige klostrene fra begynnelsen av det trettende århundre: timebøker, misaler, apokalypser, saltere og bibler. Se for eksempel Belleville Breviary (1326) og Hours of Jeanne d «Evreux (1328) av Jean Pucelle (1290-1334). I disse mesterverkene kan den gotiske kunstneren, ikke lenger bare være en bidragsyter til det arkitektoniske ensemblet, slippe løs hans fancy og unne seg alle sine innfall. Figurene er noen ganger langstrakte til randen av karikatur, som motetegninger av i dag (se andre del av Arundel Psalter i British Museum). Grotesk skapninger, så vel som humoristiske eller makabre innslag florerer. Etter hvert som typen utvikler seg blir den mer urolig. Øyet får ikke et øyeblikks fred. Innviklede dekorative bakgrunner, grenser av eføyblader som ble enda mer piggete enn naturen hadde designet dem, senere landskapsbakgrunner (omtrent midten av det femtende århundre), med klumper av forseggjorte blomster i forgrunnen, scener fra samtidsliv, sport og tidsfordriv , fest, reiser, matlaging (Luttrell Psalter fra 1340 i British Museum er overfylt med slike miniatyrer) finnes overalt. Man skulle tro at livet i det nordvestlige Europa i det fjortende århundre var en enorm forvirring av homofile herlige detaljer, et barnehage fullpakket med levende leker. Se også: History of Illuminated Manuscripts.
Høygotisk maleri ble sterkt påvirket av moderne skulptur. Dette ble først klart i Paris, der Louis IX var en ledende skytshelgen. I en evangelium (et manuskript som inneholder de fire evangeliene) ved Louis IXs palasskapell i Sainte Chapelle (1241-48), kan man se den tidlige gotiske stilen ganske brått erstattet av en draperistil som inneholder de store, vinklede foldene til Joseph Master (Bibliotheque Nationale). Samtidig var det et økende fokus på detaljer, nesten som et mål i seg selv. Slik ble for eksempel ansikter spesielt øvelser i virtuos penmanship.
Hvis visse figurative detaljer som ansikter og hender fortsatte å bli fremstilt hovedsakelig ved hjelp av linje, draperi og andre former, pleide å bli modellert i form av lys og skygge. Denne «oppdagelsen av lyset» begynte rundt 1270-80, men er spesielt forbundet med den berømte parisiske belysningen kjent som Master Honore, som var aktiv omkring 1288-1300. Det er også mulig at den ble stimulert av utviklingen innen italiensk maleri.
Den franske stilen ble raskt introdusert i England. Selv om Henry III ikke var noen bokorm, var det et tall av mennesket uscripts produsert for familien hans inneholder illustrasjoner i samme fine og stilige stil som Louis IXs kunstnere. På samme måte overlever noen store malerier, særlig «Westminster Retable», i Westminster Abbey. Senere endringer i engelsk maleri, eksemplifisert i verk som Queen Mary Psalter (ca. 1330, British Museum), inkluderte stadig mer overdådige grensepynt. Se også: Making of Illuminated Manuscripts.
For detaljer om internasjonale gotiske belysning fra 1400- / 1400-tallet, se: Jean Pucelle (1290-1334), Limbourg Brothers (d.1416: se deres Tres Riches Heures du Duc de Berry) og Jean Fouquet (1420-81: se hans ekstraordinære Melun Diptych).
Italiensk gotisk maleri
I løpet av 1200-tallet hadde både Roma og Toscana blomstrende billedtradisjoner, og begge var sterkt påvirket av middelalderkunst produsert i det bysantinske riket. Dessverre, siden en god del av det romerske arbeidet senere ble ødelagt, må bevis for det som skjedde i hovedstaden søkes utenfor byen – særlig Assisi, der den øvre kirken St.Francis ble dekorert av Roma-trente freskomalere mellom 1280 og 1300, særlig Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302).
Som i tilfelle all gotisk dekorativ kunst, var stilforandringer i Italia i retning av større realisme. Mot slutten av 1200-tallet begynte italienske malere å bruke lys til å modellere figurene sine. De gjorde også plutselige fremskritt innen manipulering av lineært perspektiv for å optimalisere romlig design i maleriet. Mer enn dette, de beste kunstnerne utviklet en ivrig evne til å skape figurer som virkelig syntes å kommunisere med hverandre, ved gest eller uttrykk. Et godt eksempel på dette er arbeidet til Isaac Master i den øvre kirken i Assisi.
I motsetning til Nord-Europa beholdt Italia en sterk tradisjon med store veggmalerier, vanligvis utført ved hjelp av «fresco male» -teknikken «- en metode som involverer pigment brukt på og absorbert av fersk kalkpuss. Emner av freskomaleri inkluderte bibelske eller hagiografiske fortellinger, og dens største gotiske eksponent var maleren Giotto di Bondone (1267-1337), hvis klassiske verk var Scrovegni Chapel freskomalerier på Padua: se for eksempel den berømte Kristi forræderi (Kyss av Judas) (1305) og Kristi klagesang (1305). Til tross for den sterkt økte realismen i Giottos arbeid, kunne han ikke unnslippe trekk fra hans bysantinske forgjengere hvis innflytelse er tydelig synlig gjennom hele komposisjonen.
I Toscana illustreres utviklingen av den gotiske stilen best av Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319), den mest berømte maleren til Sienese School. av førrenessansen kunst og skaper av Maesta Altarpiece (1308-11), tidligere høyden av altertavlen i Siena Cathedral, og Stroganoff Madonna (1300). Sistnevnte var et av de store gotiske panelmaleriene utført med tempera på tre. Imidlertid var Duccios ferdigheter med å skape et realistisk rom mye svakere enn Giottos, og hans arbeid mangler den samme dramatiske effekten.
Av etterfølgende florentinske og Sienese malere er sannsynligvis Simone Martini (1285-1344), som jobbet ved pavedømmet i Avignon, den mest berømte. Se for eksempel hans kunngjøringstriptych (1333) for Siena katedral. Andre viktige kunstnere inkluderte brødrene Pietro og Ambrogio Lorenzetti. Se sistnevnte s Allegory of Good and Bad Government (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena.
Omkring 1350 hadde italienske malere oppnådd en unik posisjon i Europa. Deres unike merke av maleri før renessansen – med sine fremskritt innen kunsten til narrativ komposisjon – skilte dem fra malere i resten av Europa. Deres forbedringer i virkelighetsskildringen ble ikke lett ignorert, og nordlige malere anstrengte seg hardt for å tilpasse italiensk naturalisme til nordlige formål. fremveksten av oljemaling, ville de flamske og nederlandske skolene snart ta igjen og til tider til og med overgå deres sørlige kolleger. Men det er en annen historie.
Liste over gotiske kunstnere
Ledende eksponenter for den gotiske kunststilen, inkluderer: