그것이 바로 봄의 의식의 경우입니다. 이고르 스트라빈스키는 1913 년에 봄의 의식을 썼습니다. 베토벤의 에로이카가 한 세기 전에 음악을 변화시킨 것처럼 세기의 음악.
그것으로 스트라빈스키는 무의식의 영역으로 자신을 데려갔습니다. 음악은 명확한 순서없이 디자인 된 것처럼 보였지만 순수한 직감에 의해 주도되었습니다.
러시아의 영향
세기 상트 페테르부르크, 모든 유행은 러시아를 제외한 어느 곳에서나 온 것처럼 보였습니다. 건축, 음악, 심지어 “최고의”사람들이 사용하는 언어는 프랑스어였습니다.
그러나 러시아의 모든 예술가들은 유럽 아이디어에 대한 이러한 의존에 반발했습니다. 그들은 민족 주의자, 러시아 정체성을 확립하기를 원했습니다. 그들 사이에서 강력한 운동가는 Stravinsky의 교사 인 Rimsky-Korsakov였습니다.
Rimsky는 음악을 쓰기 시작한 모험적이고 독창적 인 젊은 작곡가 그룹 인 소위 “Mighty Handful”의 일원이었습니다. 정말 러시아어로 들렸습니다. 그들은 오래된 신화와 서사시 및 동화에서 영감을 얻었습니다. 그리고 그들은 모두 민속 노래와 성가를 사용하여 음악에 매우 특별한 러시아 풍미를 부여했습니다.
Rimsky-Korsakov와 같은 작곡가는 황실 극장에서 호화로운 오페라와 발레의 사운드 트랙 역할을하는 무성한 오케스트레이션 된 음악을 제공했습니다. 그러나 황실 극장은 관료주의와 편애에 얽매여 그날 가장 창의적이고 야심 찬 예술가들을 억압 할 수있었습니다.
디아길레프와 파리
그 예술가들 중에는 프로듀서이자 프로듀서 인 세르지 디아길레프가있었습니다. 큰 에너지와 비전을 가진 에스테 트. 그는 진정한 러시아의 모든 것의 예술적 미래를 믿었습니다. 제국 극장과의 논쟁에 직면하여 Diaghilev는 해외로 갔다.
디아길레프는 파리 관객들이 러시아 문화에 매료되어 파리를 디아길레프의 혁명적 발레 루스에게 완벽한 장소로 만들었다는 사실을 알고있었습니다.
디아길레프는 파리의 환상을 바탕으로 새로운 발레단을 만들었습니다. 이국적이고 에로틱하며 오컬트가 특징 인 Ballets Russes는 첫 시즌에 세계를 놀라게했습니다.
회사의 두 번째 시즌에 Diaghilev는 대담한 새 발레를 약속했지만 두 명의 러시아 작곡가가 만족할만한 점수를 내지 못하자 위기가 다가왔다.
절망적 인 디아길레프는 젊고 시도하지 않은 이고르 스트라빈스키에게 1910 년 파리에서 첫 선을 보인 파이어 버드로 알려진 음악을 작성했습니다. 슬라브 신화를 바탕으로 한 왕자가 악을 이기고 Firebird는 큰 성공을 거두었습니다.
Russian Village Music
Stravinsky는 음악을 춤의 기원으로 되돌리고 싶었습니다. 그는 자주 Ustilug에서 여름을 보냈고, 그곳에서 가족의 고향을 둘러싼 마을에서 번성했던 옛 러시아 문화에 노출되었습니다.
마을에서는 사람들이 식재와 수확의시기와 신비를 축하했습니다. 당연히 마을 사람들은 자연스럽고 훈련되지 않은 목소리, 손과 발, 자주 직접 만들었던 악기로 만든 음악으로 축하했습니다. 그 결과 노래와 소음.
이러한 종류의 음악 제작은 젊은 Stravinsky에게 큰 인상을 남겼습니다. 그는 정교한 심포니 오케스트라를 사용하여 마을 음악의 거친 힘을 불러 일으키고 싶었습니다.
봄의 의식
1913 년까지 파리는 스타 댄서 Vaslav Nijinsky가 안무를 맡은 화려한 작품으로 Ballets Russes를 숭배했습니다. Nicholas Roerich가 디자인하고 화려한 점수 w 현재 상주하는 작곡가 Igor Stravinsky가 썼습니다.
그리고 역사상 가장 유명한 개막식 스캔들 인 봄의 의식 초연이 나왔습니다. 인파가 개막 날 밤에 도착하자 기대가 높았다.
Théàtre des Champs Élysées가 막 열렸고, 청중들이 보러 왔습니다. 스트라빈스키는 아방가르드 작품이 파리에서 위험하다는 것을 알았 기 때문에 긴장했습니다.
수십 년 전에 Wagner의 오페라 Tannhäuser는 오페라 무대에서 야유를 받았습니다. 그러나 위험은 흥미로운 부분이었습니다. Stravinsky는 과거에 The Firebird와 Petrushka와 함께 이곳에서 큰 성공을 거두었습니다.
커튼이 올라가고 오프닝 노트가 들리자 강당에서 소동이 터졌습니다. 오프닝 바순 솔로는 너무 높게 설정되어 청중은 자신이 듣고있는 악기를 알지 못했습니다.
무용가들의 첫 번째 테이블에 불이 들어 오자 사람들은 소리를 지르기 시작했고 더욱 격렬하고 격렬한 외침 경기가 시작되었습니다. 음악을 듣기가 어려워졌습니다.
청중의 포효가 시작되는 것을 듣고 스트라빈스키는 당황하고 무대 뒤에서 개입했습니다. 그가 날개를 달았을 때 모든 것이 완전히 혼란 스러웠습니다.
그러나 성능은 계속되었습니다. Diaghilev는 공연에 어떤 종류의 소동이있을 것이라고 예상했을 수 있습니다. Stravinsky와 Nijinsky가 모르는 사이에 그는 지휘자 Pierre Monteux에게 무슨 일이 있어도 계속 가라고 지시했습니다.
Stravinsky는 높은 사회와 문화와 관련된 오케스트라를 가져 와서이 육체적이고 야만적이며 흙 같은 수준으로 가져 왔습니다. 청중은 너무 많은 소음을 내고 무용수들은 음악을 듣지 못하고 동기화를 유지하지 못했습니다.
그래서 Nijinsky는 의자에 올라 스트라빈스키가 넘어지지 않도록 스트라빈스키가 코트 꼬리로 그를 잡아야 만했던 세트 안으로 몸을 기울였습니다.
오케스트라와 관중의 거대한 라켓과 무용수의 발이 두근 거리는 가운데 Nijinsky가 19, 20, 21, 22라는 숫자를 외쳤습니다!
뒤로 러시아 민속의 뿌리에
스트라빈스키가 그토록 강력한 글을 쓴 것은 무엇입니까? 그는 지구와의 관계를 축하하기 위해 소수의 부족 사람들이 1 년에 한 번 모인 거대하고 손길이 닿지 않은 풍경의 시간 인 고대를 재현하고 싶었습니다.
원료를 위해 스트라빈스키는 이교 의식에 뿌리를 둔 모든 종류의 민요가 포함 된 책을 찾았습니다. Stravinsky는 Ustilug에서의 여름부터이 음악을 잘 알고있었습니다.
그러나 그는 어떤 악기가 이러한 포크 사운드를 연주 할 수 있는지 알아 내야했습니다. 오케스트라는 매우 세련된 현대 악기로 구성되어 있습니다. 이 악기들은 사람들이 손으로 만드는 악기와는 아무런 관련이 없습니다.
Stravinsky의 해결책은 현대 오케스트라의 악기를 기괴하게 작성하는 것이 었습니다. 그는 그들을 범위의 극한 높이와 깊이로 밀었습니다. 그는 그들을 불편한 위치에 놓아 그가 찾고 있던 긴장되고 이상한 품질을 가져 왔습니다. 그는 대사를받지 않은 가수들의 보컬 브레이크를 암시하는 그레이스 노트를 라인에 추가하여 정통 마을 사운드를 모방했습니다.
빌리지 댄스는 서로 다른 패턴으로 움직이는 팀으로 구성되었습니다. 거의 같은 방식으로 악기 팀이 의식에서 연주합니다. 이 팀들의 교대, 형성 및 개혁을 위해 분열되어 작품의 흥분을 유지합니다.
때때로 팀이 번갈아 가며, 때로는 아무도 멈추거나 다른 사람에게 포기하지 않는 엄청난 양의 사운드를 만들 때까지 계속 플레이합니다. 이것의 요점은 갈등이 우리를 완전히 소진시킬 때까지 감각적 과부하입니다.
이 작품이 이전에 쓰여진 것과 구별되는 것은 리드미컬 한 요소의 생생함과 활력입니다.
봄의 의식은 1913 년에 있었던 스캔들 같은 초연 에서처럼 오늘처럼 충격적이지 않을 수도 있지만, 90 년이 지난 지금도 여전히 초초하고 강렬하며 거의 통제 할 수없는 느낌을 가지고 있습니다. 음악처럼 짜릿하고 해방감을줍니다.