벨 칸토

오늘날 일반적으로 이해되는 바와 같이 벨 칸토라는 용어는 18 세기와 19 세기 초 유럽 대부분에 걸쳐 널리 퍼진 이탈리아에서 유래 한 보컬 스타일을 의미합니다. 19 세기와 20 세기 후반의 출처는 “벨 칸토가 어조의 아름다움과 고른 성, 레가토 표현 및 매우 화려한 구절을 실행하는 기술로 제한되어 있다고 믿게 만들 것입니다. 그러나 현대 문서는 이러한 한계를 훨씬 넘어서는 다각적 인 수행 방식을 설명합니다. . ” 벨 칸토 스타일의 주요 특징은 다음과 같습니다.

• 운율 적 노래 (악센트 및 강조 사용)
• 음역과 음조 품질을 음성의 정서적 내용과 일치 단어
• 문법 및 수사적 일시 중지 삽입을 기반으로 한 고도로 명확한 표현 방식
• 여러 유형의 레가토와 스타카토에 따라 다양한 전달
• 자유로운 응용 프로그램 한 가지 이상의 포르타멘토 형식
• 메시지를 주요 표현 원으로 사용했습니다 (Domenico Corri는이를 “음악의 영혼”이라고 불렀습니다 – The Singer “s Preceptor, 1810, vol. 1, p. 14). )
• 리듬 적 루바토를 통한 템포의 잦은 변경과 전체 시간의 가속 및 감속
• 아리아와 암송 모두에 다양한 은혜와 분할 도입
• 보컬 전달의 효과를 높이기위한 강력한 도구로서의 제스처
• 특정 단어의 표현을 높이고 그 레이싱을 위해 주로 예약 된 비브라토

Willi Apel의 Harvard Dictionary of Music은 bel canto가 “음향의 아름다움과 연주의 탁월함을 강조하는 18 세기 이탈리아의 보컬 기법”을 의미한다고 말합니다. 극적인 표현이나 낭만적 인 감정. bel canto (또는 자체를위한 전시와 같은 남용, Gluck, Wagner)에 대한 반복적 인 반응과 그 거장 요소 (coloratura)에 대한 빈번한 과장에도 불구하고, 그것은 고도의 예술적 기법이자 유일한 이태리 오페라와 모차르트를위한 적당한 것. 그것의 초기 개발은 이탈리아 오페라 세리아 (A. Scarlatti, N. Porpora, JA Hasse, N. Jommelli, N. Piccinni)의 그것과 밀접한 관련이 있습니다. “

18 세기와 초기의 Bel canto 19 세기 편집

18 세기와 19 세기 초반에 벨 칸토 스타일이 번성했기 때문에 헨델과 그의 동시대 음악뿐만 아니라 모차르트와 로시니의 음악은 벨 칸토 원칙의 적용으로 혜택을받습니다. 테크닉을 가장 극적으로 사용했지만 벨 칸토 스타일은 다소 덜 화려 하긴하지만 오라토리오에도 똑같이 적용됩니다.이 작업에 포함 된 da capo arias는 오프닝 섹션의 반복이 스토리 라인을 방해했기 때문에 가수들에게 도전을 제공했습니다. 그럼에도 불구하고 가수들은 감성 드라마를 계속 진행시켜야했기 때문에 벨 칸토의 원리를 사용하여 반복되는 내용을 새로운 감성적 모습으로 표현할 수 있도록 돕고 모든 종류의 장식도 포함 시켰습니다 (Domenico Corri는 da capo라고 말했습니다. ar ias는 그 목적을 위해 발명되었지만 모든 가수가이 작업을 수행 할 준비가되어 있지는 않았습니다. 일부 작가, 특히 Domenico Corri 자신은 장식없이 노래하는 것이 허용 가능한 관행이라고 제안했습니다 (The Singer s Preceptor, vol. 1, p. 삼). 가수들은 정기적으로 아리아와 암송을 모두 장식했지만, 곡의 지배적 인 감정에 맞게 장식을 조정했습니다.

18 세기 스타일의 유명한 두 교사는 Antonio Bernacchi (1685-1756)와 Nicola Porpora입니다. (1686–1768), 그러나 많은 다른 존재들이있었습니다. 이 교사들 중 다수는 카스트 라티였습니다. 가수 겸 작가 인 John Potter는 그의 저서 Tenor : History of a Voice에서 다음과 같이 선언합니다.

18 세기 대부분의 castrati는 노래의 예술을 정의했습니다. 시간이지나면서 세상이 이전에 듣거나 다시들을 수있는 것과는 완전히 다른 노래를 부르고 개념화하는 방식 인 벨 칸토의 신화를 만들어 낸 것은 회복 할 수없는 기술의 상실이었습니다.

19 세기 이탈리아와 프랑스의 벨 칸토 편집

다른 응용에서 벨 칸토라는 용어는 때때로 빈센조 벨리니 (1801–1835)와가에 타노 도니제티 (1797–1848)가 쓴 이탈리아 오페라에 붙기도합니다. . 이 작곡가들은 음악 학자들이 때때로 “벨 칸토 시대”라고 부르는 무대를 위해 브라 부라 작품을 썼습니다. 그러나 노래의 스타일은 1830 년경에 바뀌기 시작했고, Michael Balfe는 Bellini와 Donizetti (A New Universal Method of Singing, 1857, p. iii)의 음악에 필요한 새로운 교수법을 저술했으며, 그래서 오페라가 Bellini와 Donizetti는 실제로 새로운 노래 시대를위한 수단이었습니다. 카스트라토에 대한 마지막 중요한 오페라 역할은 1824 년에 Giacomo Meyerbeer (1791-1864)가 썼습니다.

“bel canto”라는 문구는 독일어와 관련된 더 가볍고 강력한 언어 적 노래 스타일의 개발에 반대하는 19 세기 후반까지 일반적으로 사용되지 않았습니다. 오페라, 그리고 무엇보다도 Richard Wagner의 혁명적 인 음악 드라마. Wagner (1813–1883)는 단지 “G 또는 A가 둥글게 나올 것인지”에만 관심이 있다고 주장하면서 이탈리아 노래 모델을 비난했습니다. 그는 새로운 노래를 옹호했습니다. “영적으로 활기차고 심오한 열정을 비할 데없는 표현의 궤도에 끌어들일 게르만 노래 학교.”

프랑스 음악가와 작곡가들은 18 세기 이탈리아 벨 칸토 스타일의 화려한 극단을 결코 받아들이지 않았습니다. 그들은 카스트라토 목소리를 싫어했고, 성악 텍스트의 명확한 발언에 프리미엄을 두었 기 때문에 과도한 피오리 투라에 의해 가려지는 노래 단어에 반대했습니다.

Rosini, Donizetti 및 Bellini가지지하는 벨 칸토 스타일의 인기는 19 세기 중반 이탈리아에서 사라졌습니다. 극적 효과를 극대화하는 Giuseppe Verdi (1813–1901)의 혁신적인 작업을 수행하는 데 필요한 더 무겁고 열렬하며 덜 수 놓은 노래 방식이이를 추월했습니다. 예를 들어, 테너는 이전에했던 것처럼 부드러운 머리 목소리 / 거짓말에 의지하지 않고 자신의 음색을 부풀리고 높은 C (및 높은 D)를 가슴에서 직접 전달하기 시작했습니다.이 과정에서 보컬 민첩성을 희생했습니다. 소프라노와 바리톤은 베르디의 드라마로 가득 찬 작곡을 접했을 때 테너 동료들과 비슷한 방식으로 반응했습니다. 그들은 목소리 제작의 메카닉에 더 큰 압력을 가하고 그들의 부드러운 느낌을 희생하면서 각 음역의 흥미 진진한 윗부분을 배양했습니다. 적어도 19 세기 콘트랄토와베이스의 노래 기법은 그의 후계자 Amilcare Ponchielli (1834-1886), Arrigo Boito (1842–1886)에 의해 구축 된 Verdi의 음악적 혁신의 영향을 덜 받았습니다. 1918) 및 Alfredo Catalani (1854-1893).

Bel canto와 그 비방 자들 편집

오래된 이탈리아 노래 모델이 일식 한 한 가지 이유는 음악 세계에서 bel canto의 비방 자들은 그것이 구식이라고 생각하고 내용이없는 발성으로 비난했습니다. 그러나 다른 사람들에게 벨 칸토는 우아하고 세련되고 달콤한 톤의 음악 발화의 사라진 예술이되었습니다. 로시니는 1858 년 파리에서 열린 대화에서 “아아, 우리는 벨 칸토를 잃어 버렸다”고 한탄했습니다. 마찬가지로, 소위 독일 스타일은 예고만큼이나 조롱되었습니다. 1887 년 베를린에서 Il bel canto라는 제목으로 출판 된 이탈리아 거장들의 노래 모음에 대한 소개에서 Franz Sieber는 다음과 같이 썼습니다. “우리 시대에는”극적인 노래 “라는 참작 장치 아래에서 가장 공격적인 비명을 지르는 것이 도처에 퍼졌습니다. 무지한 대중이 노래가 얼마나 아름다운지보다 얼마나 큰지에 더 관심을 보일 때, 노래 모음은 아마도 환영받을 것입니다.이 노래는 제목이 말하는대로 벨 칸토를 올바른 위치로 복원하는 데 도움이 될 것입니다. “

19 세기 후반과 20 세기 초에 이탈리아의 노래 선생들에 의해 벨 칸토라는 용어가 부활했으며, 그 중 은퇴 한 베르디 바리톤 안토니오 코 토니 (1831 ~ 1918)는 탁월한 인물이었습니다. Cotogni와 그의 추종자들은 Giacomo Puccini (1858 ~ 1924), Ruggero Leoncavallo (1857 ~ 1919)와 같은 작곡가들의 열렬한 베리 스모 작문 요구를 충족시키기 위해 가수들이 1890 년경 이후 점점 더 많이 사용했던 전례없는 격렬하고 비브라토가 가득한 보컬 스타일에 반하여이를 호출했습니다. ), Pietro Mascagni (1863 ~ 1945), Francesco Cilea (1866 ~ 1950), Umberto Giordano (1867 ~ 1948), Richard Strauss (1864 ~ 1949) 등의 비 이탈리아 무대 작품에 의해 제기 된 청각 문제 격렬하고 각진 보컬 라인과 빈번하게 조밀 한 오케스트라 텍스처를 갖춘 후기 로맨틱 / 초 현대 작곡가.

1890 년대에 바이로이트 페스티벌의 감독은 특히 강력한 스타일의 바그너 리안 노래를 시작했습니다. bel canto의 이탈리아 이상과 완전히 상충됩니다. 지지자들에 의해 “Sprechgesang”이라고 불 렸으며 (일부 반대자들은 “Bayreuth bark”라고도 불림), 새로운 Wagnerian 스타일은 레가토 전달보다 작곡가의 개별 단어의 발음을 우선시했습니다. 보컬 리즘은 제 1 차 세계 대전 이전에 유럽의 독일어권 지역에 퍼졌습니다.

이러한 많은 요인의 결과로 bel canto의 개념은 신비에 가려졌고 과다한 개별 개념과 해석으로 혼란스러워졌습니다. 문제를 더욱 복잡하게하기 위해 20 세기 초 독일 음악학은 1630 년대와 40 년대에 베네치아 오페라와 로마 칸타타에서 등장한 단순한 서정을 나타내는 용어를 사용하여 “벨 칸토”에 대한 자체 역사적 응용 프로그램을 발명했습니다. 작곡가 Antonio Cesti, Giacomo Carissimi, Luigi Rossi의 시대) 이전의 텍스트 위주의 stile rappresentativo에 대한 반응으로. , 후에 바로크 시대의 만프레드 부 코프 저의 음악에서. 17 세기 후반 이탈리아의 노래 스타일은 18 세기 및 19 세기 초의 노래 스타일과 뚜렷한 차이가 없었기 때문에 연결을 그릴 수 있습니다. Jander에 따르면, 대부분의 음악 학자들은이 용어가 19 세기 중반 사용에 가장 적합하다는 데 동의하며, 음조의 아름다움과 음악 전달에 대한 기술적 전문성을 강조하는 노래 스타일을 지정합니다. 엄청나게 화려하거나 길고 유동적이며 유지하기 어려운 칸틸 레나 통로가 특징입니다.