프랑스 고딕 회화
초기 고딕 회화는 비잔틴 예술에서 더 큰 자연주의로 옮겨갔습니다. 보다 부드럽고 현실적인 스타일의 형태로, 일반적인 특성은 13 세기 중반까지 지속되었습니다. 프랑스에서이 관용구는 스테인드 글라스 창처럼 배열 된 도덕적 해석과 삽화와 함께 성경에서 발췌 한 성경 필사본 인 Moralisees 일련의 웅장한 성경에서 특히 두드러집니다. 영국에서는이 스타일을 수많은 사본에서 볼 수 있습니다. 예를 들어, Amesbury Psalter (c. 1240; All Souls College, Oxford). 독일에서 고딕 예술가들은 Zackenstil이라는 꼬인 각진 스타일을 선호하면서이 우아한 스타일을 피했습니다. 예를 들어, Soest Altar (1230-40, Gemaldegalerie SMPK, Berlin)에서 휘장은 갑작스러운 각진 형태로 묘사되고 종종 고드름을 닮은 날카로운 지점으로 떨어집니다. Gothic Illuminated Manuscripts는 북유럽의 패널 페인팅과 벽화 개발에도 영향을 미쳤습니다.
Gothic Book Painting
Gothic Book Illustration를 감상하려면 반드시 필요합니다. 13 세기 초부터 다양한 수도원의 대본에서 쏟아져 나온 조명 사본을 연구합니다. 시간의 책, 미사, 종말, 시편, 성경. 예를 들어, Belleville Breviary (1326)와 Jean Pucelle (1290-1334)의 Hours of Jeanne d “Evreux (1328)를 참조하십시오.이 걸작에서 고딕 예술가는 더 이상 건축 앙상블에 단순한 기여자가 아닌 그의 공상과 그의 모든 변덕에 빠지다. 그 인물들은 때때로 오늘날의 패션 드로잉처럼 캐리커쳐 직전까지 길어진다. (대영 박물관에있는 Arundel Psalter의 두 번째 부분을 보라) 그로테스크 한 생물들과 유머러스하거나 무시 무시한 손길은 풍부하다. 유형이 발달함에 따라 더 불안해지며 눈은 한 순간의 평화를 얻지 못합니다. 복잡한 장식 배경, 담쟁이 잎의 테두리는 자연이 디자인 한 것보다 훨씬 더 뾰족하게 만들었으며 나중에는 풍경 배경 (15 세기 중반 경)에 정교한 꽃 덩어리가 전경에, 현대 생활 장면, 스포츠 및 오락 거리가 있습니다. , 잔치, 여행, 요리 (대영 박물관에있는 1340 년의 Luttrell Psalter는 그러한 미니어처로 붐비고 있습니다)는 어디에서나 볼 수 있습니다. 유럽 북서부에서 14 세기의 삶은 동성애의 유쾌한 디테일, 살아있는 장난감으로 가득 찬 보육원의 광대 한 혼란 중 하나 였다고 생각할 것입니다. 참조 : 조명 원고의 역사.
고딕 회화는 현대 조각의 영향을 많이 받았습니다. 이것은 Louis IX가 주요 후원자였던 파리에서 처음으로 분명해졌습니다. Louis IX s Palace Chapel of Sainte Chapelle (1241-48)에있는 복음서 (사복음서가 포함 된 원고)에서 초기 고딕 양식이 크게 각진 주름을 통합 한 휘장 스타일로 대체 된 것을 볼 수 있습니다. Joseph Master (Bibliotheque Nationale). 동시에 거의 그 자체로 세부 사항에 대한 관심이 증가했습니다. 예를 들어 특히 얼굴은 거장 글씨의 연습이되었습니다.
얼굴과 손과 같은 특정 비 유적 세부 사항이있는 경우 주로 선, 휘장 및 기타 모양을 통해 계속해서 빛과 음영으로 모델링되는 경향이 있습니다.이 “빛의 발견”은 1270-80 년경에 시작되었지만 특히 Master로 알려진 유명한 파리 조명기와 관련이 있습니다. 1288-1300 년경에 활동했던 Honore. 이탈리아 회화의 발달로 인해 자극을 받았을 수도 있습니다.
프랑스 스타일은 영국에 빠르게 도입되었습니다. Henry III는 책벌레는 아니었지만 숫자는 많았습니다. 사람의 그의 가족을 위해 제작 된 uscript에는 Louis IX의 예술가들과 똑같은 우아하고 섬세한 스타일의 삽화가 들어 있습니다. 마찬가지로 일부 대규모 그림, 특히 “Westminster Retable”은 Westminster Abbey에 남아 있습니다. Queen Mary Psalter (c.1330, 대영 박물관)와 같은 작품에서 예시 된 영어 회화의 나중에 변경에는 더욱 호화로운 국경 장식이 포함되었습니다. 참조 : 조명 원고 제작
14/15 세기 국제 고딕 조명에 대한 자세한 내용은 다음을 참조하십시오. Jean Pucelle (1290-1334), the Limbourg 형제 (d.1416 : Tres Riches Heures du Duc de Berry 참조)와 Jean Fouquet (1420-81 : 그의 특별한 Melun Diptych 참조)
이탈리아 고딕 회화
13 세기 동안 로마와 토스카나에는 그림 전통이 번성했으며 둘 다 비잔틴 제국에서 제작 된 중세 예술의 영향을 많이 받았습니다. 안타깝게도 로마의 많은 작품이 나중에 파괴 되었기 때문에 수도에서 일어나고있는 일에 대한 증거를 도시 밖에서 찾아야합니다.Francis는 1280 년에서 1300 년 사이에 로마에서 훈련 된 프레스코 화가, 특히 Cimabue (Cenni di Peppi) (1240-1302)에 의해 장식되었습니다.
모든 고딕 장식 예술의 경우와 마찬가지로 이탈리아의 문체 변화는 더 큰 사실주의 방향으로 진행되었습니다. 13 세기 말에 이탈리아 화가들은 빛을 사용하여 인물을 모델링하기 시작했습니다. 그들은 또한 그림에서 공간 디자인을 최적화하기 위해 선형 원근 조작에 갑작스런 발전을 이루었습니다. 게다가 최고의 아티스트들은 제스처 나 표현으로 서로 소통하는듯한 인물을 만드는 예리한 능력을 개발했습니다. 이에 대한 좋은 예는 아시시의 상류 교회에있는 이삭 마스터의 작품입니다.
북유럽과 달리 이탈리아는 일반적으로 “프레스코 페인팅”기법을 사용하여 실행되는 대규모 벽화의 강력한 전통을 유지했습니다. “-새로운 석회 회 반죽에 안료를 바르고 흡수하는 방법. 프레스코 화의 주제에는 성서적 또는 성서적 내러티브가 포함되어 있으며 가장 큰 고딕 지수는 화가 Giotto di Bondone (1267-1337)으로 고전 작품은 Scrovegni Chapel이었습니다. 파도바의 프레스코 화 : 예를 들어 유명한 그리스도의 배신 (Kiss of Judas) (1305)과 그리스도의 애가 (1305)를 참조하십시오. 그러나 Giotto의 작업의 현실성이 크게 증가 했음에도 불구하고 그는 작곡 전체에 영향을 미치는 그의 비잔틴 전임자들.
토스카나에서 고딕 양식의 발전은 Sienese School의 가장 유명한 화가 인 Duccio di Buoninsegna (c.1255-1319)가 가장 잘 설명합니다. 르네상스 시대의 예술, Maesta Altarpiece (1308-11), 이전에는 Siena Cathedral의 높은 제단 조각과 Stroganoff Madonna (1300)의 창시자. 후자는 나무에 템페라를 사용하여 만든 위대한 고딕 패널 그림 중 하나입니다. 그러나 사실적인 공간을 만드는 두 찌오의 기술은 지오토보다 훨씬 약했고 그의 작업은 똑같은 극적인 효과가 결여되어있다.
후속 피렌체와 시에나의 화가들 중에서 아비뇽의 교황 법원에서 일했던 Simone Martini (1285-1344)가 아마도 가장 유명 할 것입니다. 예를 들어 Siena Cathedral에 대한 그의 Annunciation Triptych (1333)를 참조하십시오. 다른 중요한 예술가로는 형제 Pietro와 Ambrogio Lorenzetti가 있습니다. 후자의 선과 악 정부의 알레고리 (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena)를 참조하십시오.
1350 년경 이탈리아 화가는 유럽에서 독특한 위치를 차지했습니다. 그들의 독특한 브랜드 인 르네상스 이전 회화 -내러티브 구성 예술의 발전으로-나머지 유럽의 화가들과 차별화되었습니다. 현실 묘사의 개선은 쉽게 무시되지 않았고 북부 화가들은 이탈리아 자연주의를 북부 목적에 적응시키기 위해 열심히 노력했습니다. 유성 페인트의 출현, 플랑드르와 네덜란드 학교는 곧 따라 잡을 것이고 때로는 남부 학교를 능가 할 것입니다. 그러나 그것은 또 다른 이야기입니다.
고딕 예술가 목록
고딕 스타일의 예술, 다음을 포함 :