Money
Se oye el ruido de una caja registradora . Un tintineo de monedas. Un desgarro de recibos de caja. Una línea de bajo trémula, construida con solo ocho notas. Y finalmente, la táctica inicial de David Gilmour («¡Dinero! ¡Lárgate …»). Así comienza Money: la primera melodía internacional de Pink Floyd, su boleto a la liga de estadios y el éxito más inesperado de los 70 (o hasta Another Brick In The Wall Part 2).
Nadie podría haber predicho esos aplausos inminentes cuando Waters llegó a Abbey Road en junio de 1972 con la esencia de la canción: una extraña composición de 7⁄4 que puso a prueba tanto a Nick Mason («Fue increíblemente difícil tocar con él») como a los invitados el saxofonista tenor Dick Parry.
«Es el riff de Roger», señaló Gilmour. «Roger llegó con los versos y la letra de Money más o menos completados. Hicimos secciones intermedias, solos de guitarra y todo eso. También inventamos algunos riffs nuevos: creamos una progresión de 4⁄4 para el solo de guitarra e hicimos el un pobre saxofonista toca en 7⁄4 «.
» De vez en cuando «, reflexionó Waters en Rolling Stone,» hacía cosas y Dave decía: «No, eso está mal. Debería haber otro ritmo. sólo siete . Yo diría: Bueno, así es . Algunas de mis canciones tienen compases de duración extraña. Cuando tocas Money en una guitarra acústica, es muy parecido al blues «.
Para la toma de estudio, Waters volvería a grabar los efectos de sonido que había creado originalmente en el cobertizo de su jardín arrojando monedas en un recipiente que usaba su esposa para mezclar arcilla. Sin embargo, el momento más deslumbrante de la canción vino de Gilmour. el guitarrista se referiría con desprecio a Money como «buenos estudiantes blancos de arquitectura ingleses poniéndose funky», había un alma ardiente en su solo, que adrenalina ve la canción en la marca de los tres minutos y luego deja caer sus efectos para la sección seca a las 3:48.
Mientras que la gerencia de Floyd rápidamente identificó a Money como un potencial «monstruo ”, Los propios miembros de la banda eran ambivalentes, sintiendo que la complicada marca de tiempo lo detendría, y también envidiosos de la negativa de Led Zeppelin de emitir singles o complacer a la radio. «No pensamos que pasaría nada con Money», señaló Rick Wright. «Y de repente, simplemente sucedió».
Y cómo. Lanzado el 7 de mayo de 1973, dos meses después de que el álbum principal, The Dark Side Of The Moon, encabezara la lista de Billboard, Money subió al número 13 de Estados Unidos, anunciando a Floyd como pesos pesados del rock y haciendo que la letra de Waters, que atrae la riqueza, suene un poco hueca. Con Money en su casillero, la banda se vio amenazada en espectáculos de todo el planeta. «Fue un gran impacto», dijo Gilmour a In The Studio, «ser confrontado con gente en el frente gritando para que jugáramos a Money, cuando anteriormente nuestro público un poco más reverencial estaba sentado en absoluto silencio esperando escuchar el siguiente pin. «.
The Great Gig in the Sky
Cerrando la primera cara del álbum Dark Side Of The Moon después de la sobrecarga sensorial de On The Run and Time, The Great Gig In El cielo es un descenso inquietante que reflexiona sobre la mortalidad. Es la contribución insuperable de Rick Wright a Pink Floyd, ya que sus acordes de piano simplemente adornados se elevan por encima de un fragmento de la oración del Señor y los pensamientos del filósofo inglés Malcolm Muggeridge sobre la muerte «No tengo miedo de morir, en cualquier momento servirá, no me importa» – antes de que la cantante de sesión Clare Torry borre temporalmente la calma con un aullido primitivo sin palabras que parece protestar contra la muerte antes de inclinarse ante lo inevitable en lo que Gilmour describe como «ese sonido orgásmico que conocemos y amamos».
La canción fue entre los últimos en completarse a medida que el álbum tomaba forma. El ingeniero Alan Parsons recomendó a Torry, quien admite que no sabía mucho sobre Pink Floyd antes de llegar a la sesión de Abbey Road. Según Wright, «Sabíamos lo que queríamos. No exactamente musicalmente, pero sabíamos que queríamos que alguien improvisara sobre esta pieza. Dijimos: Piensa en la muerte, piensa en el horror, lo que sea».
Torry recuerda que la banda no parecía saber lo que querían, pero después de la primera toma sabían lo que no querían «. Dijeron: No, no. No queremos palabras «. Eso realmente me dejó perplejo. Pensé, «tengo que fingir ser un instrumento». Eso me dio una vía para explorar «. Wright recordó: «Entró al estudio y lo hizo muy rápido. Luego volvió a salir avergonzada y dijo: Lo siento mucho, mientras el resto de nosotros dijimos: Esto es realmente genial».
En 2004, Torry inició un proceso judicial contra Pink Floyd, alegando la coautoría de la canción. El caso se resolvió fuera de los tribunales, se desconocen los detalles, pero ahora recibe un crédito junto a Wright en el álbum.
Nosotros y ellos
Claramente, una canción que Radiohead escucha con frecuencia, hace esa cosa engañosa de empezar a sonar como nada en absoluto.Pero a medida que comienza a tomar forma, de repente comienza a mostrar su amplia gama de colores.
Solos de saxo, encantadores y persistentes rellenos de piano, grandes coros, pequeñas adiciones parlantes. En realidad, se siente bastante seductor, que no es una palabra que normalmente asociarías con Floyd.
«Rick escribió la secuencia de acordes para Nosotros y ellos y yo la usé como vehículo», dice Waters. «El primer verso trata sobre ir a la guerra, cómo en la primera línea no tenemos muchas oportunidades de comunicarnos entre nosotros, porque alguien más ha decidido que no deberíamos hacerlo. El segundo verso es sobre las libertades civiles, el racismo y el color. prejuicios. El último verso trata sobre pasar a un vagabundo en la calle y no ayudar «.
Dick Parry, un viejo amigo de la banda de Cambridge, superpuso un solo de saxo en la canción y un cuarteto de mujeres los vocalistas de sesión, Doris Troy, Lesley Duncan, Liza Strike y Barry St John, fueron contratados para embellecer Us And Them, Brain Damage y Eclipse.
«No fueron muy amigables», dijo Duncan mirando hacia atrás. «Estaban fríos, bastante clínicos. No emanaban ningún tipo de calidez … Simplemente dijeron lo que querían y lo hicimos … No hubo sonrisas. Todos estábamos bastante aliviados de salir».
Perros
En estos días, su imagen de portada de un cerdo a la deriva sobre la central eléctrica de Battersea es más conocida que la música de Animals. Al igual que la famosa mascota de la banda, el décimo álbum de estudio de Pink Floyd es una bestia curiosa.
Parte del problema es que Animals vino después de Wish You Were Here y antes de The Wall. Por brillante que sea, nada tiene el atractivo de la canción principal de Wish You Were Here o Shine On. Desafortunadamente, después de que Floyd lanzara The Wall y comenzara a tener singles, Animals se acabó.
«Animals fue cuando Roger realmente comenzó a creer que era el único compositor de la banda», se quejó Rick Wright en 1994. Dogs es la única canción de Animals compuesta por Waters y Gilmour, y es la unión perfecta de la letra venenosa del primero y el sentido innato de la melodía del segundo.
Dogs comenzó su vida como Gotta Be Crazy y se tocó en vivo durante la gira británica de Floyd en 1974, aunque Gilmour se quejó de que Waters originalmente había escrito demasiadas letras para que él la cantara correctamente). La canción estaba destinada a Wish You Were Here hasta que Waters decidió que no encajaba con el concepto. Floyd comenzó a grabar Animals en la primavera de 1976. Waters sugirió un cambio de nombre a Dogs para adaptarse mejor al tema del nuevo álbum: en términos generales, un comentario sobre la sociedad, donde los animales (cerdos tiránicos, perros autocráticos, ovejas estúpidas) son metáforas por las diferentes características de la raza humana.
Animals tenía el final del libro con dos canciones de amor acústicas: Pigs On The Wing Parts 1 y 2, inspiradas en la futura segunda esposa de Waters, Carolyne Christie. El contraste entre la obertura romántica inicial y la siguiente canción, Dogs, es impactante. Dogs llega con una ola de guitarra de sonido ominoso y un órgano de Farfisa inquietante.
Igual de deslumbrante es la disparidad entre la voz dulcemente precisa de Gilmour y las letras vituperadoras de Waters, donde critica a un rico y depredador empresario con su corbata de club y un firme apretón de manos, que termina diciendo Solo otro viejo triste hombre, completamente solo y muriendo de cáncer . Lo que hace que esta letra sea aún más sombría es la forma en que Gilmour agrega una floritura vocal – «ow-ow» – a la palabra «cáncer». Es horrible y maravilloso al mismo tiempo.
Waters canta la voz principal en la segunda mitad de la canción, explicando cómo la ética de trabajo de su personaje y su constante reverencia ante sus superiores lo han vuelto emocionalmente insensible y extraño para Su familia. Dogs es tan aplastante, casi cómicamente sombrío que si una generación de banqueros corporativos y comerciantes urbanos se hubieran visto obligados a escucharlo, el colapso financiero mundial de 2007 podría haberse evitado. Mientras tanto, el tejido de guitarras y sintetizadores de Gilmour y Wright y la escasa batería de Mason aumentan la tensión aún más.
Después de que Waters dejó la banda en 1985, la versión de Pink Floyd dirigida por Gilmour nunca tocó Dogs en vivo. Waters, sin embargo, ha seguido interpretándolo en sus exposiciones individuales. En un mundo todavía desgarrado por la codicia y el miedo, Perros suena más oportuno que nunca.
Hey You
Aunque tiene mucho más de un sello de David Gilmour en él que otros, no menos importante en el solo altísimo, es la entrada vocal en el medio de Waters después de ella la que centra la canción y luego salta la octava para agregar el mordisco. La dinámica esencial de Gilmour / Waters en pocas palabras.
«Se trata de la ruptura de mi primer matrimonio, toda esa miseria y dolor y estar en el camino cuando la mujer declara por teléfono que «se ha enamorado de otra persona», le dijo Roger Waters a Mojo. «Es un completo desastre, especialmente si eres alguien como yo. Yo era un pecio en los turgentes mares del poder de las mujeres». Sin esperanza, en realidad, no podía hacer nada más que volverme fetal y llorar.
La letra refleja el «dolor de Waters, su desesperación cada vez más evidente con cada verso, enfatizando su creciente distancia de su esposa y la construcción de un muro emocional entre ellos:» ¿Puedes sentirme? » «¿Me tocarías?» «¿Me puedes ayudar?»
Cuando la banda realizó una gira por el álbum, fue la primera canción que se interpretó detrás de la pared del escenario después de que se construyó por completo, pero no hizo la película siguiente en absoluto, ya que Waters sintió que la letra no encajaba la narrativa actualizada.
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Time
Los efectos que adornan Time son un excelente ejemplo de cómo los métodos de trabajo de Pink Floyd en el estudio podrían transformar una canción. Sin ellos, Time podría haber sido un descarte de Obscured By Clouds.
El tic-tac de los relojes que aumenta gradualmente en intensidad antes de estallar en una cacofonía de alarmas es solo el comienzo. Qué fortuito que el ingeniero Alan Parsons, en camino a su propio proyecto después de un aprendizaje trabajando con los Beatles, debió haber sido enviado un mes antes para hacer una serie de grabaciones de campo para un álbum de efectos de sonido que EMI estaba planeando. Esto incluyó grabar los relojes antes mencionados en una tienda de relojes antiguos.
Y esa profunda y sonora nota de guitarra que sigue: ¿cuánto tiempo pasó antes de que Gilmour y la banda estuvieran satisfechos de que tenían exactamente el sonido correcto? ¿Que profundo? Que sonoro Y luego los tom toms que aportan un borde sincopado al ritmo; eso no es Mason agitando su batería. Había encontrado un conjunto de rototoms (tambores con estructura de metal sin carcasa que se afinaban por rotación) por todo el estudio.
Todo esto sucede antes de que se haya cantado una palabra. Sin embargo, intente comenzar la canción sin ellos y perderá gran parte de su impacto. La melodía es una construcción bastante estándar de Floyd levantada por letras geniales ocasionales como Aguantar en silenciosa desesperación es la forma inglesa.
Echoes
Ahora que el agotado Syd Barrett se fue (en todos los sentidos), los sobrevivientes de Floyd se vieron afectados por una crisis de identidad, y aunque Atom Heart Mother de 1970 había alcanzado un tranquilizador número 1 en el Reino Unido, la alineación lo haría más tarde. descartar este quinto álbum como «un montón de basura».
David Gilmour describiría posteriormente Echoes como «el punto en el que encontramos nuestro enfoque», pero esta pista de restauración de mojo no fue fácil. En enero de 1971, después de haber firmado un nuevo contrato con EMI que les concedía tiempo ilimitado en el estudio, la banda se mudó de Abbey Road, a AIR, a Morgan, mientras acumulaban la llamada «biblioteca de basura» de garabatos sónicos y medio formados. ideas de canciones con títulos de trabajo desfavorables (Nothing One, Nothing Two, The Son Of Nothing, etc.).
A principios de 1971, Pink Floyd solo rompió sus residencias de estudio para tocar en vivo. Ese abril, la banda hizo una crítica avance, debutando una pieza entonces conocida como El regreso del hijo de la nada en vivo en Norwich, sacando estructuras de la locura y regresando con los huesos de Echoes. «Cuando regresaron», dijo el ingeniero John Leckie al biógrafo de Floyd, Mark Blake, » lo habían puesto en forma porque lo habían estado tocando en vivo. Fue concebido como una gran cosa, fragmentos en varias secciones, por lo que se grabó de esa manera «.
Atribuido a los cuatro miembros, este extenso trabajo representó a Floyd en su forma más colaborativa, y la tecnología de 16 pistas de AIR funcionando al máximo me estiro. Rick Wright logró el misterioso «ping» de los submarinos pasando un piano de cola a través de un altavoz giratorio Leslie. Waters proporcionó algunas de sus letras más evocadoras (Overhead the albatross cuelga inmóvil en el aire).
Leckie recuerda que Nick Mason se le ocurrió «muchas de las ideas más locas», mientras que el trabajo de guitarra de Gilmour era típicamente deslumbrante, pasando de las notas colgantes de la introducción a los chillidos de la sección media. «El sonido de gaviota que escuchas en Echoes es el Cry Baby», dijo el ingeniero a Guitar World. «Hendrix murió en medio de la grabación, lo que creo que les afectó un poco».
Mason se quejaría más tarde de que Echoes «suena un poco demasiado largo». Es cierto que este fue sin duda un trabajo colosal, que ocupó toda la segunda cara de Meddle de 1971. Pero cada compás de esta obra de 23 minutos fue de oro macizo. Expansivo, de otro mundo y lleno de atmósfera, representó el cambio de marcha fuera de la era de Barrett y le dio a la banda la confianza creativa que los llevaría a la liga de estadios
Wish You Were Here
Regrese a enero de 1975, y Abbey Road tarareó con malas vibraciones cuando Pink Floyd se embarcó en las sesiones de su noveno álbum.Con David Gilmour admitiendo a NME que The Dark Side Of The Moon de 1973 los había dejado «creativamente atrapados», Roger Waters explicando el concepto de Wish You Were Here como trabajar «con personas que sabes que ya no están», y Nick Mason bromeando. en Capital Radio que «Realmente desearía no estar allí», este último álbum fue el indicador de las grandes consecuencias de Floyd.
Y, sin embargo, incluso en un disco que Gilmour recuerda «comenzó bastante dolorosamente ”, La canción principal trajo un momento de fácil serendipia y feliz sinergia entre los miembros. «Me había comprado una guitarra de 12 cuerdas», recordó Gilmour en una entrevista en video para promover la reedición de Immersion de Wish You Were Here. «La estaba tocando en la sala de control de Studio Three en Abbey Road, y eso acababa de salir a la luz . Los oídos de Roger se aguzaron y dijo: « ¿Qué es eso? Tenía la terrible costumbre de tocar trozos de canciones de otras personas que eran buenas. Y creo que Roger estaba un poco nervioso al preguntar, en caso de que viniera de otra cosa, por otra persona «.
Aunque Gilmour se» obsesionó levemente «mientras desarrollaba la parte de guitarra, la onda cerebral de la banda fue abrir Wish You Were Here con el efecto de un oyente que recorre las estaciones de radio, se posa en la Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky, antes de finalmente optar por un riff de 12 cuerdas que suena distante, al que poco después se une un pasaje acústico más cálido.
«La idea», explicó Gilmour, «era que era como tocar una guitarra en la radio y alguien en su habitación en casa, en su dormitorio o algo así, escuchándola y participando. Así que se suponía que la otra guitarra era un niño en casa que se une a la guitarra que escucha en la radio.
«Y por lo tanto», agregó Gilmour, «no se suponía que fuera demasiado hábil, y no lo era. Cada vez Escucho la grabación original y pienso: Dios, debería haberlo hecho un poco mejor ”.
Mientras que un cameo de Frenc h violinista de jazz Stéphane Grappelli fue editado en gran parte (algunos afirman que es solo audible al final), más significativa fue la letra nostálgica de Roger Waters, con un pareado destacado: Somos solo dos almas perdidas nadando en una pecera, año tras año – eso podría leerse como un guiño al matrimonio que se estaba deshaciendo del bajista, pero fue principalmente un saludo al caído Syd Barrett.
«Aunque Shine On You Crazy Diamond trata específicamente sobre Syd, y Wish You Were Here tiene un mandato más amplio «, señaló Gilmour en un documental,» No puedo cantarlo sin pensar en Syd «.
De hecho, cuando la formación clásica de Pink Floyd se reunió en Londres en Live 8 en 2005 , Waters y Gilmour se aseguraron de que la audiencia de Hyde Park no tuviera dudas sobre el tema de Wish You Were Here mientras interpretaban la canción en guitarras acústicas. «Estamos haciendo esto para todos los que no están aquí», anunció el bajista, intencionadamente. «Y en particular, por supuesto, para Syd».
Shine On You Crazy Diamond (Partes I – IX)
Una piedra angular del repertorio de la banda, David Gilmour ha llamado a Shine On You Crazy Diamond «la canción más pura de Floyd», la suma de su desarrollo de mediados de los 70. Todo se desarrolla durante unos 26 minutos, marcados por la figura distintiva de guitarra de cuatro notas de Gilmour y experimentando una serie de transformaciones inspiradas que involucran lap steel, riffs distorsionados, saxo tenor y sintetizadores multipista.
Roger Waters Concibió la letra como un tierno homenaje a Syd Barrett, luego en medio de un descenso a la enfermedad mental. Al igual que la música en sí, es una construcción maleable, sentimientos agridulces de arrepentimiento atados en la memoria: Recuerda cuando eras joven / Tú brilló como el sol / brilla en tu diamante loco / ahora hay una mirada en tus ojos / como agujeros negros en el cielo.
La grabación de la La canción también coincidió con uno de los incidentes más famosos de la mitología Floyd, cuando el propio Barrett, calvo, con sobrepeso y con las cejas afeitadas, entró en los estudios de Abbey Road durante la etapa de mezcla de la pista. Pasó algún tiempo antes de que la banda lo reconociera.
«Él, por alguna razón increíble, eligió el mismo día que estábamos haciendo una canción sobre él», recordó Rick Wright. «Muy extraño».
Cómodamente entumecido
Roger Waters estaba en agonía. Era el 29 de junio de 1977, y en el backstage del Philadelphia Spectrum sufría de calambres estomacales tan devastadores que tuvo que elegir entre cancelar el programa de esa noche o recibir una inyección de tranquilizante que «hubiera matado a un jodido elefante». Waters interpretó el programa , a pesar de que el relajante muscular lo hacía incapaz de sentir sus manos o levantar los brazos. Y de esa sensación anestesiada surgió la semilla para la pista clave de The Wall de 1979.
The Wall fue enfáticamente el álbum de Waters, con problemas el protagonista Pink era un sustituto de sí mismo, y naturalmente se mostró reacio cuando David Gilmour lanzó una secuencia de acordes que sobró de su primer álbum en solitario.Waters aceptaría la contribución de Gilmour bajo presión y recuperaría cierto grado de propiedad al proporcionar letras y música en verso. Pero aún así hubo problemas, con Waters y Bob Ezrin favoreciendo una versión con una orquestación exuberante de Michael Kamen, mientras que Gilmour prefirió una versión más delgada y más dura. «Luché por la introducción de la orquesta en ese disco», dice Ezrin. «Esto se convirtió en un gran problema en Comfort comfortablemente entumecido, que Dave vio como una pista más básica. Roger se puso de mi parte ”.
» Discutimos como locos sobre Comfort comfortablemente Numb «, dijo Gilmour a la revista Rock Compact Disc.» Realmente tuve una gran pelea, duró mucho tiempo «.
Ambas partes llegaron a un acuerdo, con Comfort comfortablemente entumecido finalmente presentando un poco de las visiones de ambos hombres. «En el registro», dijo Waters a Absolute Radio, «el primer verso es de la versión que me gustó, y el segundo verso es de la versión que me gustó. Fue una negociación y un compromiso ”.
Afortunadamente no hubo tal debate sobre los dos célebres solos de guitarra de Gilmour, cuyos deslumbrantes lamidos se interpretaron desde lo alto de la pared durante la gira. «Hice cinco o seis solos», le dijo a Rolling Stone. «A partir de ahí, simplemente seguí mi procedimiento habitual, que es escuchar cada solo y hacer un gráfico, señalando qué partes son buenas. Luego, siguiendo la tabla, creo un gran solo compuesto al subir un fader, luego otro fader, saltando de frase en frase hasta que todo fluya junto ”.
Para Pink Floyd tal como los conocíamos, la canción fue el clavo terminal en el ataúd («Creo que cosas como Comfort comfortablemente entumecido, fueron mis últimas brasas y la capacidad de Roger para trabajar juntos en colaboración», reflexionó Gilmour). Sin embargo, también ha construido puentes, notable como la canción final interpretada por el alineación reunida en Live 8, y también interpretada por Gilmour en el show The Wall de Waters el 12 de mayo de 2011.
«Dave quería hacer algo llamado The Hoping Foundation», dijo Waters. «Finalmente, escuché lo suficiente y dije: Te diré una cosa. Voy a estar haciendo unas cuantas noches en el O2. Tú vienes a hacer Comfort comfortablemente Numb una de esas noches, y yo haré el maldito Hoping Foundation . Y pensé que simplemente diría: Vete a la mierda . Y no lo hizo. Él dijo: Está bien . Así que lo hicimos «.