El artista que creó algunas de las imágenes más memorables del siglo XX nunca fue aceptado por completo por el mundo del arte. Solo hay una obra de Maurits Cornelis Escher en todas las galerías y museos de Gran Bretaña, y no fue hasta que cumplió 70 años cuando tuvo lugar la primera exposición retrospectiva completa en su Holanda natal. Escher fue admirado principalmente por matemáticos y científicos, y solo alcanzó fama mundial cuando llegó a ser considerado un pionero del arte psicodélico por la contracultura hippie de la década de 1960. Sus grabados adornan álbumes de Mott the Hoople and the Scaffold, y fue cortejado sin éxito por Mick Jagger para la portada de un álbum y por Stanley Kubrick para ayudar a transformar lo que se convirtió en 2001: A Space Odyssey en una «película cuatridimensional».
Pero Escher no pertenecía a ningún movimiento. En una carta de 1969 a un amigo, observó con irritación que «los hippies de San Francisco continúan imprimiendo mi trabajo ilegalmente ”. (Muchas de sus cartas se reproducen en el libro de referencia estándar, Escher: The Complete Graphic Work, editado por JL Locher, que incluye una biografía completa y ensayos analíticos de Escher y otros). Le habían enviado un catálogo para una revista de California «Free Universidad ”que contiene“ tres reproducciones de mis estampas alternadas con fotografías de seductoras chicas desnudas ”. Esto habría parecido desagradable para el bastante formal Escher, quien se enfureció cuando Jagger se dirigió a él por su primer nombre en una carta de fan. Según el ensayo del catálogo de Patrick Elliott, «Escher y Gran Bretaña», para la nueva exposición en la Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, El asombroso mundo de MC Escher, el artista respondió al asistente del músico: «Dígale al señor Jagger que no soy Maurits para él ”.
Para su familia y amigos de la infancia, Maurits era conocido cariñosamente como Mauk. Sus padres son George y Sara Escher en 1898 en Leeuwarden. El más joven de los cinco hijos de su padre, ingeniero civil (dos de un matrimonio anterior), Mauk era un niño enfermizo que estaba interesado en la carpintería y tomó lecciones de música, pero reprobó sus exámenes finales de la escuela, excepto en matemáticas. Su padre anotó con cariño en su diario que el joven se consolaba «dibujando y haciendo un grabado en linóleo de un girasol».
Escher luego estudió durante unos años en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, pero abandonó la arquitectura para intentar forjarse una carrera. Rápidamente le fue bien. A finales de la década de 1920, durante la cual había viajado extensamente por Italia y España, y conoció y se casó con su esposa, Jetta, Escher exhibía su trabajo regularmente en Holanda y, en 1934 , ganó su primer premio de exhibición estadounidense. Pero solo dos años después Escher realmente se convirtió en Escher. Ese año fue al Palacio de la Alhambra en Granada, España, y copió cuidadosamente algunos de sus mosaicos geométricos. Su trabajo gradualmente se volvió menos observacional y más formalmente inventiva. Como Escher explicó más tarde, también ayudó que la arquitectura y la El paisaje de sus sucesivas casas en Suiza, Bélgica y Holanda era tan aburrido: «se sintió obligado a apartarse de la ilustración más o menos directa y realista de mi entorno», abrazando lo que él llamó sus «visiones internas».
Esas visiones alimentaron lo que se convertiría en las obras más famosas de Escher. En 1948, hizo Drawing Hands, la imagen de dos manos, cada una dibujando a la otra con un lápiz. Es una clara descripción de una de las fascinaciones perdurables de Escher: el contraste entre la planitud bidimensional de una hoja de papel y la ilusión de volumen tridimensional que se puede crear con ciertas marcas. En Drawing Hands, el espacio y el plano coexisten, cada uno nacido y regresando al otro, la magia negra de la ilusión artística que se manifiesta de manera espeluznante. Lo siguiente, de un ensayo posterior de Escher, podría servir fácilmente como brillo en esta imagen:
El artista todavía tiene la sensación de que mover su lápiz sobre el papel es una especie de arte mágico. No es él quien determina sus formas; parece más bien que la estúpida forma plana en la que se afana con esmero tiene su propia voluntad (o falta de voluntad), que es esta forma la que decide o dificulta el movimiento de la mano que dibuja, como si el artista fuera un médium espiritualista. / p>
El tema de toda la vida de Escher, en cierto modo, fue la artificialidad dramatizada de la imagen creada. (El historiador de arte EH Gombrich escribió que el trabajo de Escher «presenta tantos comentarios interesantes sobre los acertijos de la representación».) De su cuadro Balcón de 1945, con su extraña distorsión central abultada, Escher comentó: «Seguramente es un poco absurdo dibujar un unas pocas líneas y luego afirmar Esto es una casa ”. El tema de Balcony, dijo, era» esta situación extraña «.
Las situaciones solo se volvieron más extrañas.Escher llevó metódicamente a sus límites las técnicas representativas. Algunas imágenes anteriores sugieren un interés particular en la perspectiva, por ejemplo, la «vista de pájaro» de su Torre de Babel (1928), que en retrospectiva parece un ensayo poco paradójico para sus posteriores aventuras en la arquitectura imposible, o un bosque de columnas en una columnata para Nocturnal Rome (1934) .Una imagen posterior, Depth (1955), es una investigación completamente ficticia sobre las posibilidades formales de la perspectiva: una serie de lo que parecen monstruosos aviones-peces robóticos, retrocediendo implícitamente en el espacio infinito (en Una carta, Escher explicó las características cuidadosamente pensadas que contribuyen al efecto de profundidad, incluido el «posicionamiento rítmico de cada pez en las intersecciones de un sistema cúbico de tres puntos de rotación». Bueno, naturalmente.)
A fines de la década de 1930, Escher también se obsesionó con la «división regular del plano», en la que las formas (de diez peces, lagartos o pájaros) se colocan en mosaico en un plano plano de tal manera que los espacios entre ellos forman otras formas reconocibles. (Esta técnica se inspiró directamente en la Alhambra). Día y noche (1938) presenta formas de pájaros en blanco y negro dispuestas de esta manera sobre un campo de tablero de damas. En muchas de estas imágenes, la distinción entre primer plano y fondo se borra: el espectador puede elegir ver uno u otro conjunto de formas como primer plano a voluntad.
Pero si el trabajo de Escher no hubiera sido más que un comentario meta-artístico pedante sobre la plasticidad de las técnicas, ya se habría olvidado. Dio una reveladora conferencia en 1953 que distinguió entre «personas que sienten» – artistas que se concentran en la forma humana – y «personas que piensan», artistas como él que son «entusiastas de la realidad», interesados en «el lenguaje de la materia, el espacio y universo». Las mejores imágenes de Escher no son simplemente ejercicios geométricos; combinan el asombro formal con una visión vívida e idiosincrásica.
Take House of Stairs (1951), con su interior de pesadilla (inspirado en las escaleras de la propia escuela de Escher) y sus ciempiés articulados de rostro pseudohumano arrastrándose por su fantasmagoría arquitectónica. (Escher inventó esas criaturas, explicó con ironía, «como resultado de la insatisfacción por la falta en la naturaleza de seres vivos en forma de rueda dotados con el poder de propulsión por medio de enrollarse».) O Belvedere (1958), con su imposible escalera y una colección de esos bufones, bribones y contempladores que llegarían a poblar los lugares inventados más extraordinarios de Escher. (La mujer de largo vestido en Belvedere está copiada directamente de El jardín de las delicias de Hieronymus Bosch).
Lo más deslumbrante, tal vez, sea el célebre Ascending and Descending (1960), con sus dos filas de figuras humanas caminando hacia arriba y hacia abajo, respectivamente, en un imposible de cuatro lados. La escalera eterna, la más reconocible de las imágenes de «objetos imposibles» de Escher, que fueron inspiradas por el matemático británico Roger Penrose y su padre, el genetista Lionel Penrose. Fascinados por House of Stairs, los Penroses publicaron un artículo en 1956 en el British Journal of Psychology titulado «Objetos imposibles: un tipo especial de ilusión visual». Al recibir una separata unos años más tarde, Escher le escribió a Lionel expresando su admiración por el » continuos vuelos de pasos ”en el papel, y adjuntando una impresión de Ascendente y Descendente. (El artículo también incluía el «tri-bar» o triángulo de Penrose, que está construido de manera imposible desde tres ángulos de 90 grados: en 1961, Escher construyó su cascada interminable usando tres de ellos).
La matemática El tema de la imagen no es el engaño en la escalera ascendente y descendente. Escher nunca fue un surrealista. Pero en esta imagen, queda claro que era una especie de existencialista. Durante mucho tiempo había admirado a Dostoievski y Camus, y en una carta a un amigo mientras trabajaba en Ascenso y Descendente explicó: “Esa escalera es un tema bastante triste, pesimista, además de muy profundo y absurdo. Con preguntas similares en sus labios, nuestro propio Albert Camus acaba de estrellarse contra un árbol en el coche de su amigo y se suicida. Una muerte absurda, que más bien me afectó. Sí, sí, subimos y subimos, imaginamos que estamos ascendiendo; cada paso tiene unas 10 pulgadas de alto, es terriblemente agotador, ¿y dónde nos lleva todo esto? En ninguna parte ”.
Este paisaje onírico de futilidad es perfeccionado por las dos figuras que no están en la eterna escalera. Uno mira a sus compañeros condenados desde una terraza lateral; uno se sienta tristemente en las escaleras inferiores.»Dos individuos recalcitrantes se niegan, por el momento, a participar en este ejercicio», comentó Escher. «No les sirve para nada, pero sin duda, tarde o temprano, se les hará ver el error de su inconformidad. » El arte de Escher en su máxima expresión, entonces, no solo es sorprendente sino también sorprendentemente legible, lo que lo coloca en compañía de los grandes grabadores alegóricos como Alberto Durero.
Desde la muerte de Escher en 1972, sus imágenes más famosas se han vuelto omnipresentes. Un nuevo combustible para su culto popular lo proporcionó la fantasía interdisciplinaria de un libro de Douglas Hofstadter, Gödel, Escher, Bach (1979), que sedujo a generaciones de estudiantes curiosos en las décadas siguientes. (Escher adoraba a Bach). Oportunamente, dada la alegría matemática del artista, algunos de los homenajes más ricos a su trabajo en los tiempos modernos han llegado al mundo de los videojuegos. En la hermosa Echochrome (2008), los jugadores se propusieron liberar a un ser humano eternamente caminando de una sucesión de paisajes escherianos rotando el punto de vista hasta que el «truco» de la perspectiva encajara en su lugar.
En 1963 En su conferencia sobre «lo imposible», Escher declaró: «Si quieres expresar algo imposible, debes ceñirte a ciertas reglas. El elemento de misterio sobre el que quieres llamar la atención debe estar rodeado y velado por una comunión bastante obvia y fácilmente reconocible . » Podría decirse que esto es tan cierto para la ficción o la música como para el tipo de hechicería geométrica de Escher. Y también, en cierto modo, resume el genio del propio Escher, un hombre ordenado que hizo cosas inagotablemente extraordinarias.
• El asombroso mundo de MC Escher está en la Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia, Edimburgo, del 27 de junio al 27 de septiembre. Nationalgalleries.org.
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