29アートスタイルの例

アートスタイルは、アートワーク間で共有される一連の特徴的な特性です。これにより、アートは、その背後にあるアイデアがわかればスタイルが認識できるため、人々にとって本質的に意味のある方法で分類できます。アートスタイルの一般的な例を次に示します。

ルネサンス美術

14世紀から17世紀にかけてのヨーロッパの歴史のルネサンス時代の芸術。これは、人間を何よりも優先するヒューマニズムなどの勇敢な新しいアイデアの変化と受容の時代でした。。当時、イタリアは芸術界の支配的な勢力でした。これはすぐに現代のフランスに移ります。イタリアのルネサンス芸術家には、レオナルドダヴィンチ、ミケランジェロ、サンドロボティチェッリが含まれます。

ロマンチシズム

ロマンチシズムは、感情と個性を強調した19世紀の芸術運動であり、機械化と体系化への反応と見なされています。当時世界を劇的に変えていた産業革命のルネサンスは過去を称賛し、古代ではなく中世の歴史を描く傾向がありました。

新古典主義

新古典主義は芸術であり、古代の芸術、文化、歴史、特に古代ローマとギリシャを利用しています。これは18世紀後半から20世紀初頭まで続いた長い芸術運動でした。これらの作品は、ある年齢では別の年齢を模倣するのは本物ではないと見なす可能性のある現代美術愛好家には特に人気がありません。

アカデミックアート

アカデミックアートは、パリのアカデミーデボザールの基準と期待に準拠した19世紀のアートです。これらは、輝く、非常に美しい人々で満たされた歴史の理想主義的な見方を描いた、ネオクラシカルでロマンチックな作品のみでした。洗練されたスタイル19世紀に制作された最高の芸術の多くは、その過度にノスタルジックな内容と勇敢な実験の欠如によるアカデミックアートに対する反応でした。アカデミックアートは19世紀に大きな社会的地位を享受し、部外者であった多くの芸術家はこれをノックしようとしました

古代芸術

古代芸術には、秋以前に制作された芸術が含まれます。 476年の西ローマ帝国。古代ローマ、古代ギリシャ、古代エジプト、バビロン、アンシの偉大な文明entインドと古代中国は重要な芸術を生み出しました。

リアリズム

リアリズムとは、存在することなく世界の現実を描写することです。感情、理想主義、悲観主義、イデオロギーまたは想像力によって着色されています。

ハイパーリアリズム

非常にリアルなディテールを使用して作品を制作する現代的なアートスタイル現実と区別するのは難しい。

ポップアート

ポップアートは、消費者社会やポップカルチャーなどの要素に基づいて様式化されています。広告、製品デザイン、コミックブックとして。これは、社会と文化の方向性を疑問視する皮肉、パロディ、寓話を掘り下げる一種の資本主義的リアリズムと見なされています。

浮世絵

浮世絵は江戸時代の日本の芸術であり、初期のポップカルチャーを表すように木版印刷技術を使用して大衆に広く配布されました。旅行シーン、歴史、時事問題、相撲、神話、歌舞伎俳優のコミカルな顔など、人気のトピックが含まれていました。浮世絵には、芸者や他のファッショナブルな女性を描いた、文字通り「美しい人物の絵」である美人画というジャンルも含まれていました。

ジャポニスム

1850年代、アメリカ海軍は本質的に日本にアメリカの貿易への開放を強制しました。ヨーロッパの勢力はすぐにアメリカの先導に従い、すぐに日本はロシア、イギリス、フランス、オランダと貿易協定を結びました。これは、安価な外国製品が国内市場に殺到し、日本が自らを守るために工業化と軍事化を急いで行ったため、日本の社会と経済を混乱に陥れました。日本が世界に最初に輸出したものの1つは、浮世絵です。これらの異世界的なアートワークがヨーロッパやアメリカで利用できるようになったことが、当時の多くのアーティストに影響を与え、ジャポニズムと呼ばれる運動を生み出しました。アーティストは日本のテーマやスタイルを作品に取り入れました。

バロック

バロックは、17世紀にヨーロッパで登場した、非常に華やかで贅沢なスタイルです。カトリック教会は、プロテスタント芸術の単純な厳格さへの反応として奨励しました。バロックスタイルは感情、ディテール、コントラスト、混沌、そして豊かな色彩で畏敬の念を起こさせることができるすべてのもの。

オランダの黄金時代

オランダの黄金時代は、八十年戦争の頃のオランダの歴史の期間です。 17世紀には、ヨハネスフェルメールやヤンステーンなどの非常に才能のあるアーティストを数多く輩出しました。当時、オランダ共和国はヨーロッパで最も繁栄した国でした。オランダの黄金時代はバロックと同時に発生しましたが、オランダ人はリアリズムに傾倒し、バロックの派手さを避けたため、反対の特徴があります。オランダの巨匠はまた、ほとんど非宗教的なテーマを選び、日常生活を描く傾向がありました。現時点では、これは絵画の歴史全体ではややまれでした。

印象派

印象派は、色と光に重点を置いた世界。瞬間ではなく時間の経過を捉え、柔らかなファジーな外観になります。技術的には、これは線や形よりも自由なブラシストロークを優先することによって達成されます。印象派は芸術界に衝撃を与え、最初はあまり受け入れられませんでした。「印象派」という用語は、印象派の作品が未完成のスケッチに似ているという彼の見解を軽蔑的に表明するためにこの用語を使用した批評家でユーモリストのルイ・ルロワによる嘲笑的なレビューに由来します。

新印象派

新印象派は、現代のプリンターの仕事とは異なり、色を別々のドットに分離することです。またはデジタル画面。その名前にもかかわらず、新印象派は本質的に印象派の反対です。印象派が自由に流れる混沌としたブラシストロークを使用するのに対し、新印象派は機械的かつ体系的に計画された色の点を使用します。新印象派の芸術は、色彩理論を広範に利用して、互いに近い色の点が視距離からどのように知覚されるかを計画しました。科学的なものとして提示されましたが、新印象派の芸術家は色彩理論の疑似科学的な見方をするのが一般的でした。

フォーヴィスム

フォーヴィスムは、明らかな筆運びと非現実的な色の勇敢な使用を伴う絵画のように見える絵画を作成した20世紀初頭の芸術運動です。これは、写実主義や新印象派など、写真的または体系的に見える絵画を作成した当時の芸術運動に対する反応でした。

表現主義

表現主義は、芸術家が感情、想像力、抽象化を自由に表現できるように、純粋に主観的な方法で世界を表現します。表現主義の芸術家は理論的には自由に表現したいものを表現できますが、不安を表現する傾向があります。

抽象表現主義

投稿-インスピレーションの瞬間にキャンバスに投げられる絵の具や単一の単色で構成される絵画など、純粋に主観的で抽象化された作品に基づく第二次世界大戦のアメリカの芸術運動。そのような作品は、熟練しておらず、完全にランダムで無意味であるという批判を引き起こし、引き出すように設計されました。それにもかかわらず、抽象表現主義はハイカルチャーと見なされるようになりました。

キュービズム

キュービズムは、3次元の抽象化として説明できます。概念的には、これには複数の視点から主題を描くことが含まれます。これは1907年に最初のキュビズム作品と見なされるパブロピカソの作品LesDemoiselles d “Avignon（下）で現れ始めましたが、スタイルは後ではるかに抽象化されるようになりました。キュービズムは芸術界を揺るがし、20世紀初頭の数十に影響を与えました世紀の芸術運動。

未来主義

未来主義は20世紀初頭の芸術運動であり、スピード、若者、自動車、飛行機、工業都市などの時間。スタイル的には、未来主義はしばしばキュービズムに似ていました。

象徴主義

神話、図像、想像力を駆使して象徴的な作品を生み出した19世紀後半の芸術運動。

Art Nouveau

1890年から1910年にかけて、モダンでファッショナブルと見なされていた非常に装飾的な芸術スタイル。アートヌーボーは、建築、インテリアデザイン、装飾品、広告を出すが、それでも美術としての尊敬を集めた。美術の通常の定義では、芸術は商業的制約なしに制作される必要があります。

シュルレアリスム

シュルレアリスムは異なるものを想像する芸術です意図的に神経質になり、暗く、非論理的または逆説的である可能性のある現実。シュルレアリスムは、潜在意識の視覚的表現などのテーマを持つ通俗心理学に触発されることも一般的です。通常は20世紀の芸術運動と見なされていますが、シュルレアリスムは15世紀のオランダの画家ヒエロニムスボッシュの作品にもはっきりと表れています。

Anti -art

Anti-artは、高度な文化と芸術の世界の不条理をあざけることを目的とした芸術です。これはしばしば、さまざまな成功した芸術運動の根底にあるランダム性と個性の崇拝を攻撃します。たとえば、20世紀初頭のダダ運動では、新聞の挿し木から作られたランダムなコラージュが、公共の小便器などの見つかったアイテムから作られた芸術や彫刻として導入されました。皮肉なことに、ハイカルチャーの世界では、これらのアイテムの多くが貴重な芸術作品と見なされています。これは、高い文化が、美学についての論争を求める多くの現代およびポストモダンの芸術家を導く力を持った芸術を大切にしていることの確認です。

ナイーブアート

当時の芸術運動に依存しない独自のスタイルや方法を開発できるように、正式なトレーニングや芸術コミュニティへの没頭がほとんどないアーティストによって制作されたアート。たとえば、アンリルソーは、49歳まで徴税人として働いていた、19世紀後半の著名なフランスの画家でした。ルソーは、40代前半まで真剣に絵を描き始めませんでした。

フォークアート

美術の自由な表現ではなく、文化と伝統を目的として作成されたアート。

モダンアート

モダンアートとは、1800年から1970年の間に制作されたアートを指します。現在のコンテンポラリーアートは将来的にモダンとラベル付けされる可能性があるため、これは将来拡張される可能性があります。アートはモダニズムのイデオロギーを受け入れますが、他のモダンアートはそれを拒否します。たとえば、現代のミニマリストアートはモダニストの理想と一致しますが、キュービズム、表現主義、ロマン主義、印象主義、新古典主義などの現代芸術運動は明らかにそうではありません。

コンテンポラリーアート

コンテンポラリーアートとは、1970年以降に制作されたアートのことです。これは、この期間が将来再ラベル付けされるように生きている芸術家の作品に適用する。このレーベルが将来の観点から目立つアーティストによって異なるため、このレーベルがどうなるかはまだ誰にもわかりません。

ポストモダンアート

ポストモダンアートは、ポストモダニズムのイデオロギーを取り入れた、または一般的に現代アートに挑戦しようとする現代の動きのコレクションです。そのような動きは多様ですが、ポストモダンアートの一般的な傾向には、没入型の体験、ハイカルチャーのエリート主義への挑戦、アートと大衆文化の境界を曖昧にする作品が含まれます。ポストモダンアートは、社会や文化を批判するほど政治的であることがよくあります。

スタッキズム

スタッキズムは、求める現代美術運動です。本物ですが、必ずしも現実的な世界の表現ではありません。これは、現代美術における抽象化、反芸術、ポストモダニズムへの傾向に対する反応と見なすことができます。スタッキズムは高度に様式化されており、20世紀の現代美術によく似ています。

動き

多くの上記のスタイルは、特定の期間に関連付けられている動きでもあります。これは、芸術がそれを生み出した時間と文化の産物であるという事実を反映しています。次のタイムラインは、上記のスタイルに関連する動きのおおよその日付を示しています。

オランダ黄金時代

移動	期間（概算）	関連付けられている
古代の芸術	476より前	古代ローマなどの歴史の偉大な文明。
ルネッサンス	1300-1600	イタリアフランスドイツ
バロック	1600-1750	当初は反改革の一環としてカトリック教会が後援しました。
1620-1672	オランダ共和国
浮世絵	1661- 1868	江戸時代の日本商人クラスで人気のあるアートワークは1661年頃に最初に登場しました。
新古典主義	1760-1900	芸術、建築、文学、ファッション、音楽の幅広い動き。 1760年頃に芸術で始まり、20世紀まで建築を続けました。
ロマンティシズム	1790 -1850	ヨーロッパ米国
モダンアート	1800-1970	モダンアートはその時代によって定義され、必ずしもモダニズムのイデオロギーと一致しているわけではありません。
リアリズム	1840-1900	フランス米国
印象派	1860-1900	フランスクロードモネユージーンデラクロワ JMWターナー
ジャポニズム	1860-1890	ヨーロッパ米国
新印象派	1886-1910	フランスジョージスエラット
シンボリズム	1890-1918	Gustav Klimt
表現主義	1893-1930	主にノルウェーの画家エドヴァルドムンクに触発されたドイツの運動。
フォーヴィスム	1904-1910	フランスアンリマティス
キュービズム	1907-1918	パブロピカソ Georges Braque
未来派	1909-1930	イタリア 1960年代に未来派の第2の波が発生しました。
ダダ	1914 -1922	それにもかかわらず、高度な文化と見なされていた反芸術と見なされました。
シュルレアリスム	1917-1950	驚くべきことに、シュルレアリスムは、15世紀のヒエロニムスボッシュの作品にも登場しました。
抽象表現主義	1946-1970	ニューヨーク
ポップアート	1950〜	アメリカアンディウォーホル
現代美術	1970〜	生きているアーティスト
ポストモダンアート	1970〜	主に現代の作品やアーティストに適用されます。ただし、表現主義者などの芸術家は、19世紀後半には早くも特定のポストモダニストの理想を受け入れ、芸術家は多くの場合、幅広い文化的傾向を先取りしていることを証明しました。 id = “eb44e43351”> スタック主義	1999〜	イギリス

概要：アートスタイル
タイプ	アート
定義	アートワーク間で共有される一連の特徴的な特性。
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